آموزش و تدریس پیانو

ثبت نام کلاس آموزشی از مبتدی تا حرفه ای پیانو در بهترین آموزشگاه موسیقی شمال تهران ناردونه واقع در سه راه اقدسیه منطقه 1 یک برای کودکان و بزرگسالان حضوری و آنلاین استاد خانم و آقا


 آموزشگاه موسیقی – بهترین آموزشگاه موسیقی  – آموزشگاه موسیقی پاسداران منطقه یک 1  – آموزشگاه موسیقی در شمال تهران – آموزشگاه موسیقی آوای پارسی  خیابان پاسداران  – آموزش موسیقی کودک – آموزش موسیقی برای کودکان – کلاس موسیقی – آموزش گیتار – آموزش پیانو – آموزش ویولن – آموزش سه تار – آموزش سنتور – آموزش آواز سنتی – آموزش آواز ایرانی – آموزش سلفژ – آموزش صدا سازی – آموزش وزن خوانی – آموزش کاخن – آموزش تنبک – آموزش عود – آموزش کمانچه – آموزش تار – آموزش نی – آموزش درام – آموزش پرکاشن – بهترین آموزشگاه موسیقی  – استاد آواز علی زند وکیلی – آموزش فلوت  – آموزش نی هفت  – ثبت نام کلاس موسیقی – آموزش قانون – آموزش تنبور – تمرین موسیقی آموزش قیچک آموزش ساکسیفون – آموزش گیتار الکتریک – آموزش درامز –  آموزش کمانچه – آموزش چنگ –   –آموزش نی – آموزش و تدریس پیانو

بایگانی برچسب برای: آموزش پیانو

انتخاب-موسیقی-برای-کودکان-کلاس-موسیقی-کودک

انتخاب موسیقی برای کودکان

 

دنیای کودکان پر از صدا و موسیقی است و در همه جای جهان کودکان دارای این قابلیت هستند که نسبت به موسیقی واکنش نشان دهند.

 

آنها علاقه فراوانی به جستجو در امکانات صوتی هرچیز دارند و از ایجاد صدا از اشیا لذت میبرند و اگر این صدا دارای ریتم

باشد، میتواند کاملا آنها را مجذوب کرده و انگیزه موسیقایی آنان را تقویت کند.

کودکان از لحظه تولد و حتا قبل از آن با اصوات موجود در محیط اطراف خود خو میگیرند و بنابر میزان توانایی خود در تولید و جستجو در آواها و اصوات مختلف، با این پدیده ارتباط برقرار میکنند.

از آنجایی که واکنش نشان دادن به صدا پیشرفته ترین توانایی در نوزادان است، کودک از همان ابتدای تولد باید از نظر موسیقی تغذیه شود.

خواندن ترانه های ریتمیک ملایم، حس آرامش و امنیت را در نوزاد حساس تقویت میکند.

قرنهاست که لالایی های آهنگسازان بزرگ و ملودیهای جذاب خودانگیخته که به آهستگی زمزمه شود، کودکان را به خوابی آرام فروبرده است.

در چنین حالتی، کیفیت صدای خواننده اهمیتی ندارد بلکه مهم ارتباطی است که از این طریق با کودک برقرار میشود.

کودکان در حدود سه سالگی علاقه ای واقعی به هر نوع فعالیت موسیقی نشان میدهند و این زمان بسیار مناسبی برای والدین و مربیان است تا در شناخت و درک ساختار موسیقی به کودک کمک کنند.

هنگامی که موسیقی به شیوه ای آگاهانه و متناسب با درجه ادراک کودک به وی ارایه شود، بدون شک به شناخت و آگاهی او منجر خواهد شد.

در این سن، کودکان تقریبا در تمام زمان بیداری خود در حال جنب و جوش و فعالیت هستند از راه رفتن و دویدن گرفته تا بالا و پایین پریدن، سر خوردن، جهیدن، تاب خوردن و دست زدن.

در بسیاری از موارد این حرکات میتوانند در سمت نمایشی کردن ترانه ها، داستانهای کوچک و ساده و قطعات کوچک موزیکال به کار روند.

بازیهایی که همراه با موسیقی اجرا میشوند برای داشتن اوقاتی خوش که همراه موسیقی، فعالیت و سرخوشی است برای کودک و بزرگسال به یک اندازه مفید و نشاط آور است.

میتوان گفت که کودکان در سنین ۴ و ۵ سالگی، در زمینه به وجود آوردن موسیقی بسیار مصر و علاقمند هستند.

آنها از هر گروه سنی دیگری به خلق موسیقی میپردازند، با دقت تمام در گوشه و کنار آن به کشف و جستجو میپردازند و موسیقی محرکی اساسی برای فعالیتهای آنان به شمار میرود.

هنگامی که کودکان ۴ و ۵ ساله اند، برای تجربیات برنامه ریزی شده آمادگی بیشتری دارند و توجه کنید که باید تعادل در این برنامه ریزی رعایت شده باشد.

به این ترتیب که زمانی برای شنیدن و شناخت ارزش موسیقی، خواندن، نواختن ساز و ایجاد صدا، ساختن شعر و

موسیقی و خلاصه انواع فعالیتهایی که در این صحنه گسترده قابل اجرا هستند، اختصاص داده شود.

شنیدن موسیقی کاریست که میتواند در تمام مراحل فعالیتهای روزانه انجام شود. در واقع عادت به شنیدن موسیقی،

پایه و اساس تمام تجربیات موسیقایی است.

البته در این سن، کودک به مرحله ای رسیده است که میتواند مدت کوتاهی بنشیند و با دقت به یک اجرای کوتاه یا یک قطعه کوچک موسیقی ضبط شده گوش فرا دهد.

قطعات داستانی مانند “پیتر و گرگ [1]” اثر سرگئی پروکوفیف Sergei Prokofiev میتواند در چنین اوقاتی استفاده شود.

این داستان به خصوص برای آشنایی با بعضی از سازهای ارکستر مناسب است.

یک فعالیت جذاب دیگر برای این کودکان، شنیدن یک قطعه موسیقی و ساختن داستانی برای آن است.

همچنین داستانهایی که با موسیقی پرورانده شده باشند و دارای ریتم و ملودی باشند

(در داستانهای زیبای فارسی، از گفتگوهای ریتمیک بسیار استفاده شده است و لزوما نباید به دنبال نمونه خارجی آن بود.

از جمله کدوی قلقله زن، کک به تنور، عروسک ناز قندی، نمکی و…) چنین بازیهایی میتواند علاقه کودک به موسیقی را بسیار افزایش دهد.

خواندن ترانه شور و شوق فراوانی برای کودکان به همراه دارد. اکثر کودکان عاشق آواز خواندن و شنیدن آوازی که برای آنها خوانده شود، هستند.

صدای کوچک این موسیقیدانان ۴ و ۵ ساله شاید برای تعقیب بالا و پایینهای موسیقی یک ترانه چندان قوی نباشد،

والدین و مربیان باید توجه کنند که نباید بیش از حد توان کودک از او توقع کاری بینقص و خواندن بدون ایراد داشته باشند.

توجه کنید که در این سن ترانه هایی برای خواندن کودک مناسبند که بین نتهای “دو” وسط تا “لا” بعد از آن باشند.

برای تشویق کودک به خواندن، باید از ترانه هایی استفاده کنیم که خواندن آن برایش ساده باشد، تعداد اوج و فرودهای

آن اندک باشد و برای نواختن آن به تمام کلیدهای پیانو نیاز نباشد.

ترانه هایی که از کلمات تکراری، عبارات موزون و الگوهای ریتمیک تکرار شونده برخوردار باشند بسیار مناسبند.

از طرفی این اشعار برای پروش قدرت بیان و توسعه گنجینه لغت کودک نیز بسیار مناسب هستند.

اشعار مهدکودکی و ترانه هایی که از طریق شرکت دادن کودک در نوعی بازی و فعالیت مانند دست زدن، پای کوبی و

ضرب گرفتن روی میز، شناخت موسیقی وی را تقویت میکنند نیز انتخابهای مناسبی هستند.

هنگامی که کلمات شعر در ذهن کودک باقی ماند، میتوان برای افزودن به جذابیت آن و شمردن ضرب از یک ساز ساده

کوبه ای استفاده کرد که در این میان میتوان به طبل، دایره زنگی، تکه های چوب و سنج اشاره نمود.

بازیهایی که در طی آن انگشتان، دستها و اعضای دیگر بدن حرکت میکنند موجب آگاهی از تواناییهای جنبشی و همچنین هماهنگ سازی عضلات میشوند.

آهنگها و حرکات ساده و ریتمیک متغیر کودک را با لایه های زیرین ریتم در موسیقی و همچنین با تاکیدها و کشیدگیهای صوتی آشنا میکنند.

توجه کنید که هر قصه ای، حتا داستان ساکت و ساکن “موطلایی و سه خرس” هم میتواند با افزودن صدا، ریتم قدمهای

خرسها وبه شعر تبدیل کردن گفتگوها به موضوعی برای ترانه خوانی و موسیقی تبدیل شود.

فراموش نکنید که هرچند ترانه های کوتاه برای کودکان جذاب تر است، اما اشعار پرسش و پاسخ یا داستانهای موزون طولانی تر هم برایشان جذاب است.

سوال و جواب در ترانه خوانی، جنبه منطقی ذهن کودک را نیز تقویت میکند.

یک عنصر کلیدی دیگر که هنگام انتخاب موسیقی برای کودکان، توجه داشتن به تناسب میان کلمات و ملودی ترانه است.

معنی کلمات باید در سبک موسیقی منعکس شده باشد.

جمله بندی اشعار و ملودی نیز باید همزمان و منطبق بر یکدیگر باشد. در واقع کلمات و ملودی باید مانند آستر و رویه، یکدیگر را کامل کنند



 آموزشگاه موسیقی – بهترین آموزشگاه موسیقی  – آموزشگاه موسیقی سه راه اقدسیه و اندرزگو منطقه یک 1  – آموزشگاه موسیقی در شمال تهران – آموزشگاه موسیقی ناردونه  خیابان سه راه اقدسیه  – آموزش موسیقی کودک – آموزش موسیقی برای کودکان – کلاس موسیقی – آموزش گیتارآموزش پیانوآموزش ویولن – آموزش سه تار – آموزش سنتورآموزش آوازآموزش آواز سنتیآموزش آواز ایرانیآموزش سلفژآموزش صدا سازیآموزش وزن خوانی – آموزش کاخن – آموزش تنبکآموزش عودآموزش دفآموزش تارآموزش نی – آموزش درام – آموزش سه تار  – آموزش ساز قانون –  آموزش پرکاشن – آموزشگاه موسیقی اندرزگو – استاد آواز علی زند وکیلیآموزش ربابآموزش ترومپتآموزش فلوت  – آموزش نی هفت  – ثبت نام کلاس موسیقی – آموزش قانونآموزش تنبور – تمرین موسیقی –  آموزش قیچکآموزش ساکسیفون – آموزش گیتار الکتریک – آموزش درامز –  آموزش کمانچهآموزش چنگ –   – آموزش نی – آموزش عود – تاثیر موسیقی بر حافظه و آلزایمرچگونه استرس از صحنه و اضطراب اجرا را از خود دور کنیم – تئوری موسیقی  – آموزش موسیقی کودکآرپژ در موسیقی چیست ؟اورتور در موسیقی به چه معنای است ؟آموزش موسیقی کودکتکنیکهای علمی و عملی تمرین موسیقیموسیقی راک چیست؟آشنایی با مبحث صدا سازی

معنی و مفهوم آکورد چیستنخستین زن خواننده و مادر آواز ایران

آموزش-موسیقی-کودک-آموزشگاه-موسیقی-فراگیری-موسیقی-کودک

آموزش موسیقی کودک

بهترین روش های آموزش موسیقی کودک در جهان

روش های متنوعی در تدریس موسیقی وجود دارد که توسط اساتید مختلف استفاده می شوند.

بعضی از بهترین شیوه های آموزش موسیقی کودکان ، ایجاد کنجکاوی ذاتی کودک هستند و به کودکان آموزش داده

می شود تا به بهترین نحو یاد بگیرند، همانگونه که کودک زبان مادری خود را یاد می گیرد.

این روش ها برای مدت طولانی مورد استفاده قرار گرفته اند، و موفقیت این روش ها تا حد زیادی ثابت شده است.

یکی از مواردی که در همه این روش ها مشترک است این است که آنها به کودکان آموزش می دهند تا فقط شنونده

نباشند بلکه کودکان را تشویق می کنند تا مشارکت فعال در موسیقی داشته باشند و خلاقیت خود را در موسیقی و نوازندگی بروز دهند.

این روش ها توسط معلمان موسیقی در سراسر مدارس جهان استفاده می شود.

در اینجا چهار مورد از متد های رایج  آموزش موسیقی کودک  معرفی می شود.

 

متد آموزشی ارف

 

متد ارف یکی از روش های محبوب و کاربردی آموزش موسیقی کودک است که ذهن و بدن کودک را از طریق ترکیبی از

آواز، رقص، بازیگری با استفاده از آلات موسیقی ساده و مخصوص این روش درگیر موسیقی می شود.

این روش توسط کارل ارف (Carl Orff)، آهنگساز آلمانی و مدرس موسیقی، در بین سال های ۱۹۲۰ تا ۱۹۳۰ ایجاد شده

است وایده آن بر پایه باور کارل ارف به اهمیت ریتم و حرکت در موسیقی شکل گرفت.

ابزار های موسیقی که در این روش استفاده می شوند شامل ساز های سیلوفون(xylophones)

متالوفون(metallophone) بلز، سنج، طبل، دایره و غیره است.

 

این روش به کودکان کمک میکند تا موسیقی را در سطح فهم و درک خود یاد بگیرند.

این کار با تاکید بر ادغام موسیقی با سایر هنرها ازجمله داستان ، شعر ، رقص و بازیگری می باشد.

به این صورت که معلم داستان یا شعر را در کلاس می خواند و دانش آموزان با استفاده از ابزارهای موسیقی بیان شده

اند ، جلوه های صوتی را با نواختن اضافه می کنند.

سپس معلم با استفاده از ساز با بچه ها همراهی می کند.

روش ارف موسیقی را در چهار مرحله تقلید ، اکتشاف ، بداهه پردازی و آهنگ سازی آموزش می دهد.

متد آموزشی کودالی ( kodaly )

این روش توسط زولتان کودالی ( Zoltan Kodaly ) آهنگساز و مدرس موسیقی مجارستانی ابداع شده است.

فلسفه روش Kodaly این است که یادگیری موسیقی زمانی که از سنین پایین تر آغاز شود ، موثرتر است

و هر فرد توانایی یادگیری موسیقی را از طریق استفاده از موسیقی محلی و آهنگ های با ارزش هنری بالا را دارد.

در روش کودالی آواز به عنوان پایه ایی برای موسیقی کودک می باشد.

یکی از خلاقیت های این روش استفاده از علائم دست و انگشتان برای یادگیری نت های موسیقی است ،

به این صورت که هر شکل خاص از دست و انگشت نماد یک نت موسیقی است که برای یادگیری نت به بچه ها در سنین

پاین بسیار ساده وقابل فهم است.

این علائم دست با سلفژ و خواندن نت با دهان ترکیب می شود که سبب یادگیری صحیح خواندن در گام موسیقی می شود.

و همچنین از یک سیستم صداهای ریتمیک برای یادگیری ریتم و سرعت استفاده می شود.

از طریق این درس های ترکیبی کودکان به طور طبیعی به خواندن و تشخیص نت با شنیدن صدا مسلط خواهند شد.

روش آموزش کودک سوزوکی

روش سوزوکی توسط دکتر دانیل شینیچی سوزوکی ، یک ویولنیست مشهور ژاپنی ابداع شده است.

او برای دادگاه امپریال ژاپن ساز میزد و یک گروه چهار نفره را با خواهر و برادرانش تشکیل داد.

دکتر سوزوکی روش خود را برای آموزش ویولن به کودکان در یک مدرسه موسیقی در ژاپن و در سال ۱۹۶۴ اغاز کرد و این روش را به آمریکا معرفی نمود.

سوزوکی روش آموزشی خود را بر اساس توانایی ذاتی کودک برای یادگیری زبان مادری پایه ریزی کرده است.

او اصول اساسی درک زبان مادری را در یادگیری موسیقی به کار برد و روش خود را رویکرد زبان مادری نامید.

از طریق گوش دادن ، تکرار ، حفظ کردن ، ساختن واژگان و…

که بدین صورت موسیقی بخشی از وجودکودک می شود.

در مدرسه موسیقی ، کودکان شروع به یاد گرفتن درس های ویولن در سن ۲ یا ۳ سالگی می کنند.

دانش آموزان سوزوکی ابتدا آهنگ های بزرگ کلاسیک و قطعات موسیقی را به صورت منظم گوش میدهند که در نهایت آن ها را یاد خواهند گرفت.

در حالی که دانش آموزان در مدرسه هستند موسیقی به صورت مداوم پخش می شود تا آنها را در موسیقی غوطه ور سازند.

این کار باعث می شود کودکان به مرور زمان گوش موسیقیایی خود را قوی کنند و همچنین تغییر گام ، زمان بندی و سرعت را درموسیقی تشخیص دهند.

دانش آموزان با مشاهدۀ یاد می گیرند و به صورت گروهی آموزش می بینند و تعامل اجتماعی و همکاری در میان دانش آموزان تقویت می شود.

روش سوزوکی بر اهمیت نفوذ و دخالت والدین در آموزش موسیقی کودکان تاکید دارد.

والدین تشویق می شوند تا با معلمان همکاری کنند تا به یک هدف مشترک برسند.

والدین می توانند در کلاس شرکت کنند و به عنوان معلم در خانه عمل کنند.

متد آموزشی دالکروز

روش دالکروز ، که به عنوان روش حرکات موزون نیز شناخته می شود ، روشی دیگری است که اساتید برای تدریس مفاهیم موسیقی استفاده می کنند.

امیل جاش دال کروز ، آهنگساز و مدرس موسیقی سوئیسی ، این روش را برای آموزش ریتم ، ساختار و بیان موسیقی از طریق ترکیب موسیقی و حرکات جنبشی بدن توسعه داد.

این روش با تمرین های شنیداری و سلفژ آغاز می شود تا گوش موسیقایی کودک را تقویت کند.

تفاوت آموزش سلفژ در روش دالکروز این است که همیشه با حرکات موزون بدن ترکیب می شود.

 

هنرجویان ابتدا موسیقی را گوش می دهند سپس قطعه ای را که می شنوند با حرکات موزون بدنی که به صورت بداهه

اجرا می شود بیان می کنند مثلا نت و ریتم را با قدم زدن و کف زدن نشان می دهند.

بداهه انجام دادن حرکات یکی دیگر از ویژگی های این روش است که به دانش آموزان کمک می کند واکنش ها و پاسخ

های فیزیکی خود به موسیقی را بروز دهند.

فلسفه این روش آن است که بهترین حالت یادگیری موسیقی زمانی است که از طریق حواس چندگانه انجام شود.

دال کروز معتقد بود که موسیقی باید از طریق حسگرهای لمسی، زیبایی شناختی ذهنی و بصری آموزش داده شود.

در ایالات متحده، کالج های معتبری از جمله دانشگاه کارنگی ملون ، کلمبیا کالج ، دانشگاه مریلند و کالج پارک مدرک و

مجوزهای تدریس به روش دالکرز را ارائه می دهند.

مقایسه با روش های سنتی آموزش موسیقی کودک

در روش های سنتی آموزشها اغلب به صورت انفرادی می باشد و قابلیت استفاده از فعالیت های گروهی و افزایش و تعامل کودکان با یکدیگر کم است.

در روش های قدیمی به دلیل رسمی بودن کلاس های موسیقی و سخت بودن شروع آموزش کودکان ، امکان انگیزه و اشتیاق در کلاس و لذت از بردن از تمرین موسیقی کمتر است.

این متد ها بر مبنای یک مسیر وفرایند آموزشی بری کودکان پیش می رود که کودکان را در طول مسیر یادگیری موسیقی همراهی می کند .

بر خلاف روش های سنتی ، در این روش ها نقش والدین و تاثیر گذاری آنها بر یادگیری کودک بیشتر می باشد که باعث

علاقه مندی و انگیزه بیشتر کودکان در خارج از کلاس و محیط منزل برای تمرین موسیقی می شود.


آموزش موسیقی – آموزشگاه موسیقی شمال تهران

آموزشگاه موسیقی شمال تهران منطقه 1 یک

 آموزشگاه موسیقی – بهترین آموزشگاه موسیقی  – آموزشگاه موسیقی سه راه اقدسیه و اندرزگو منطقه یک 1  – آموزشگاه موسیقی در شمال تهران – آموزشگاه موسیقی

ناردونه  خیابان سه راه اقدسیه  – آموزش موسیقی کودک – آموزش موسیقی برای کودکان – کلاس موسیقی – آموزش گیتارآموزش پیانوآموزش ویولن – آموزش سه تار –

 آموزش سنتورآموزش آوازآموزش آواز سنتیآموزش آواز ایرانیآموزش سلفژآموزش صدا سازیآموزش وزن خوانی – آموزش کاخن – آموزش تنبکآموزش عودآموزش دف

آموزش تارآموزش نی – آموزش درام – آموزش سه تار  – آموزش ساز قانون –  آموزش پرکاشن – آموزشگاه موسیقی اندرزگو – استاد آواز علی زند وکیلیآموزش ربابآموزش ترومپت

آموزش فلوت  – آموزش نی هفت  – ثبت نام کلاس موسیقی – آموزش قانونآموزش تنبور – تمرین موسیقی –  آموزش قیچکآموزش ساکسیفون – آموزش گیتار الکتریک – 

آموزش درامز –  آموزش کمانچهآموزش چنگ –   – آموزش نی – آموزش عود – تاثیر موسیقی بر حافظه و آلزایمرچگونه استرس از صحنه و اضطراب اجرا را از خود دور کنیم

 تئوری موسیقی  – آموزش موسیقی کودکآرپژ در موسیقی چیست ؟اورتور در موسیقی به چه معنای است ؟آموزش موسیقی کودکتکنیکهای علمی و عملی تمرین موسیقی

موسیقی راک چیست؟آشنایی با مبحث صدا سازی

معنی و مفهوم آکورد چیستنخستین زن خواننده و مادر آواز ایران

بهترین آموزشگاه موسیقی در شمال تهران سه راه اقدسیه

با حضور علی زند وکیلی

آموزشگاه موسیقی تهران سه راه اقدسیه

آموزشگاه موسیقی ناردونه

آموزشگاه موسیقي ناردونه واقع در سه راه  اقدسیه میباشد.

بهترین آموزشگاه موسیقی

آموزشگاه موسیقی خوب باید ویژگی هایی داشته باشد تا بتواند هنرجویان خوبی تربیت کند . برای پیدا کردن بهترین آموزشگاه موسیقی کافی است با کمی مطالعه و در نظر گرفتن چند نکته مهم در پیدا کردن یک آموزشگاه موسیقی مناسب و مدرس موسیقی با تجربه بهترین انتخاب را داشته باشیم.

برای انتخاب بهترین آموزشگاه موسیقی ممکن است این سوال برای همه پدر مادرها و هنرجویان پیش آید که چگونه یک آموزشگاه خوب موسیقی و استاد با تجربه در بین سایر آموزشگاه های موسیقی نزدیک محل سکونت خود انتخاب نموده و فرزند خود را برای آموزش موسیقی ثبت نام کنند.

 

چرا ما به شما این آموزشگاه را معرفی می کنیم

سه راه اقدسيه ، خيابان موحد دانش، نبش بوستان ، روبروى سفارت چين ، پلاك ٦٦ ، واحد 5

شماره تماس :

021-26149868

021-22290155

اجازه بدید ویژگی های یک آموزشگاه خوب را با هم برسی کنیم

ویژگی های بهترین آموزشگاه موسیقی

۱ ) دارا بورن مجوز رسمی

بسیار حائز اهمیت است که آموزشگاه موسیقی ،مجوز رسمی سازمان آموزش فنی و حرفه ای یا وزارت فرهنگ و ارشاد را دارا باشد.

آموزشگاه موسیقی ناردونه دارای مجوز رسمی وزارت فرهنگ و ارشاد میباشد آموزشگاه های که دارای مجوز رسمی هستند طی بازرسی های و ارائه مدارک تخصصی و طی مدت زمان طولانی موفق به اخذ این مجوز شده اند و همچنین آموزشگاه های دارای مجوز همواره تحت نظارت سازمان صادر کننده مجوز قرار دارند لذا در قدم اول بهتر است آموزشگاه های دارای مجوز را انتخاب نموده و با مراجعه حضوری به آموزشگاه و استعلام از سازمان مربوطه از صحت مجوز آموزشگاه موسیقی مطمئن شوید.

۲) مدیریت آموزشگاه

از دیگر ویژگی های یک آموزشگاه موسیقی خوب داشتن مدیر خوش رو ،با اخلاق و منظم است .مدیر آموزشگاه بهتر است علاوه بر مهارت های مدیریتی خود نیز در زمینه تدریس یک ساز موسیقی تخصص و مهارت لازم را داشته باشد تا بتواند علاوه بر نظارت بر عملکرد آموزشی اساتید آموزشگاه ،روند یادگیری اصولی هنرجویان را نیز به صورت اصولی بررسی نماید.

پیشنهاد می شود برای اطمینان از انتخاب بهترین آموزشگاه موسیقی قبل از ثبت نام صحبت کوتاهی با مدیریت آموزشگاه داشته باشید.

۳) استفاده از اساتید خوب و متخصص

داشتن اساتید خوب ،ماهر ،با تجربه و با اخلاق از ویژگی های یک آموزشگاه موسیقی خوب است که جزو مهمترین و اصلی ترین عوامل موفقیت یک هنرجوی موسیقی محسوب می شود.

توصیه می شود پس از انتخاب آموزشگاه موسیقی ، یک جلسه مشاوره با استاد ساز مورد نظر داشته باشید تا به طور نسبی از نحوه برخورد و روش های تدریس استاد مطلع شوید.

۴)روش های آموزش موسیقی

استفاده از روش ها و متد های به روز دنیا در امر تدریس از جمله مواردی است که با عث پیشرفت هنر جو خواهد شد.

یکی از ویژگی های یک آموزشگاه موسیقی خوب ارائه روش های متفاوت تدریس با توجه به نیازها و توانایی های هر فرد است چرا که استعداد ، ویژگی های رفتاری ،جسمی و شخصیتی هر هنرجو با هنر جو دیگر متفاوت است.

۵)فضای آموزشی و امکانات مناسب

امکانات ، فضا و محیطی که در آنجا به آموزش موسیقی پرداخته می شود بایستی دارای ابعاد استاندارد ، وسایل سرمایشی و گرمایشی ، نور کافی  و تجهیزات استاندارد آموزش موسیقی باشد .

همچنین برای جلوگیری از مزاحمت و صدای اضافه هر اتاق عایق بندی لازم نیز انجام گرفته شده باشد.

یک آموزشگاه موسیقی خوب و استاندارد بایستی سازهای مورد نیاز آموزش را دارا باشد تا هنر جو در صورت عدم تمایل ، ملزم به حمل وسایل آموزشی خود نباشد .

۶) آموزش تمامی سازها

آموزشگاه موسیقی خوب و استاندارد باید اساتید مجرب جهت تدریس کلیه سازهای ایرانی و کلاسیک را داشته باشد تا هنرجویان بدون هیچ محدودیتی ساز مورد علاقه خود را انتخاب کنند.

۷)اعطا گواهینامه معتبر پایان دوره آموزش

آموزشگاه های موسیقی که تحت نظارت سازمان آموزش فنی و حرفه ای فعالیت دارند پس از اتمام دوره آموزش برای شرکت در آزمون و دریافت مدرک معتبر بین المللی به مرکز آزمون اعزام خواهند شد.

آموزشگاه موسیقی تهران سه راه اقدسیه

اساتید-آموزشگاه-موسیقی-سه-راه-اقدسیه-اندرزگو

 آموزشگاه موسیقی – بهترین آموزشگاه موسیقی  – آموزشگاه موسیقی سه راه اقدسیه و اندرزگو منطقه 1 یک – آموزشگاه موسیقی در شمال تهران – آموزشگاه موسیقی خیابان سه راه اقدسیه  – آموزش موسیقی کودک – آموزش موسیقی برای کودکان – کلاس موسیقی – آموزش گیتار – آموزش پیانو – آموزش ویولن – آموزش سه تار – آموزش سنتور – آموزش آواز – آموزش آواز سنتی – آموزش آواز ایرانی – آموزش سلفژ – آموزش صدا سازی – آموزش وزن خوانی – آموزش کاخن – آموزش تنبک – آموزش عود – آموزش کمانچه – آموزش تار – آموزش نی – آموزش درام – آموزش پرکاشن – آموزشگاه موسیقی اندزگو – استاد آواز علی زند وکیلی

مراقبت از پیانو

در زیر به برخی از نکاتی که برای نگهداری ار پیانو باید انجام دهید اشاره گردیده است :

نگهداری ار پیانو در برابر سرما و گرما

پیانو را باید از هر گونه وسیله حرارتی نظیر بخاری رادیاتور و … دور نگاه داشت.
خشکی پیش از حد هوا و حرارت زیاد به راحتی می تواند آسیبهای جدی برساند
بورد و بدنه ساز که از چوب هستند وارد کند.
اگر نمی توانید از خشکی هوا اجتناب کنید حتما از یک دستگاه بخارساز خانگی برای جبران رطوبت محیط استفاده کنید.

همچنین باید از نگهداری پیانو در هوای سرد اجتناب کرد.
برای محافظت از ساز باید از قرار دادن ساز نزدیک مکان هایی که در معرض هوای سرد قرار دارند
مانند درب و پنجره خودداری کرد.
همچنین در فصل زمستان قبل از ترک خانه به مدت طولانی باید دمای محیط را درحد مناسبی ثابت نگه دارید.

از قرار دادن پیانو درمعرض تابش مستقیم نور آفتاب باید شدیداً خود داری کرد.

به طور کل هر محیطی که انسان در آن احساس راحتی می کند برای پیانو نیز مناسب است.

مراقبت از پیانو

نگهداری ار پیانو در برابر رطوبت

از قرار دادن ساز در مکان هایی که رطوبت بالا دارند باید پرهیز کرد.
رطوبت بالا موجب زنگ زدن سیم ها و تاب برداشتن و تغییر شکل ساند بورد و قطعات چوپی اکشن ساز می شود.
در مناطق مرطوب می توان از کیسه های رطوبت گیر در درون پیانو استفاده کرد.
به طور کل رطوبت نسبی ۴۵ تا ۶۰ درصد و دمای ۲۰ درجه بدونه تابش مستقیم نور خورشید بهترین شرایط برای نگهداری پیانو می باشد.

کوک مداوم و منظم

برای تجربه صدایی خوب و مطبوع و همچنین حفظ سازتان در یک وضعیت ایده ال باید آن را به طور مداوم و طبق برنامه منظم کوک کنید.

تمیز نگاه داشتن ساز

سازتان را برای حفظ زیبایی و جلوگیری از لک شدن، هر از چند گاه و به کمک پارچه نرم تمیز کنید.
در مورد کلیدهای پیانو بهتر است از مواد پاک کننده مخصوص لوازم خانگی استفاده کنید.
هنگام تمیز کردن کلید های پیانو توجه داشته باشید در صورتی که ماده پاک کننده به صورت اسپری باشد
از پاشیدن مستقیم به سطح کلید ها خود اری کنید،
زیرا کناره های کلیدهای پیانو معمولا فاقد روکش بوده و مایع اسپری می تواند بین کلیدهای پیانو چکیده و موجب خرابی آن ها شود.

برای جلوگیری از این کار اسپری را به یک پارچه نرم پاشیده و به کمک آن کلید ها را تمیز کنید.
بلافاصله پس از تمیز کردن کلیدها باید آن ها را با پارچه نرم دیگری خشک کنید.
در زمانی که از ساز استفاده نمی کنید همیشه درپوش کلید ها را ببندید تا از ورود گرد و خاک و ضایعات دیگر جلوگیری شود.
هرگز از مواد شوینده و حلال قوی برای تمیز کردن بدنه و کلید ها استفاده نکنید
زیرا این مواد به راحتی می توانند روکش یا پولیش ساز را از بین ببرند.
همچنین پارچه های زبر موجب ایجاد خراش های کوچک سطحی بر روی لایه پولیش ساز می شوند.
بنابراین بهتر است از پارچه های نرم برای این کار استفاده کنید.


آموزش پیانو

آموزش پیانو،استاد پیانو، بهترین استاد پیانو، استاد پیانو شرق تهران، استاد پیانو شمال تهران،استادپیانو غرب تهران،آموزشگاه موسیقی، بهترین آموزشگاه موسیقی تهران،مراقبت از پیانو

کاربرد پیانو برای نواختن موسیقی سنتی

نواختن موسیقی سنتی ایران با ساز پیانو معمولی کار دشواریست
چونکه ساخت ساز پیانو بر پایه دوازده صوت در هر هنگام (اکتاو) است
در صورتی که در موسیقی سنتی احتیاج به هفده صوت است،
یعنی اگر پیانو را از اول برای موسیقی سنتی ساخته بودند میبایستی پنچ کلید به هر هنگام اضافه میکردند
که البته طول آن پیانو یک برابر و نیم بزرگترو چندین برابرگرانترمیشد.

گام استاندارد غربی :

گام دوازده صوتی غربی که بگام کروماتیک معروف است
گامیست معتدل که درآن هر کلید ساز پیانو، معرف یک صوت (یا یک نت ) میباشد.

این گام شامل تمام ِ اصواتیست که در موسیقی غربی وجود دارد
و کلیه موسیقی کلاسیک غرب و تمام آلات موسیقی اروپایی بر مبنای همین گام طرح شده اند.
گام کروماتیک در حقیقت تلفیقی است از گام های نامعتدل ِ قبل از زمان باخ که دراروپای آنزمان معمول بوده.
بعضی براین باورند که گام معتدل گامیست غیرطبیعی
بدلیل اینکه اکثر خوانندگان سولو و یا تکنوازان ساز های بدون پرده خود بخود از اعتدال خارج میشوند.
شاید همین طبیعی بودن موسیقی ماست
که باعث ایجاد خود کاوی و یا بقول استاد مرتضی ورزی “غم” میشود.
بهر صورت اگر جنبه اعتدال را فراموش کنیم،
بجاست که گام هفده صوتی سنتی را “گام کروماتیک ایرانی” بنامیم
چونکه هریک از پرده های تار و یا سه تار نماینده یکی از هفده صوت (یا نت) این گام است.

از مطالب بالا میتوان به چند نکته مهم پی برد :

١- کوکِ اروپایی ِ پیانو ، که بر مبنای گام معتدل کروماتیک است،
جوابگوی ِ هردو گام ِ بزرگ و کوچک میباشد.
بقول شادروان عارف قزوینی اگر صد تا ساز پیانو از کشتی پیاده کنند هر صدتا کوک ِ ماهور دارند،
هرچند برداشت آن مرحوم کاملا صحیح نیست چونکه گام بزرگ قابلیت اجرای ِ همهِ گوشه های ماهور را ندارد.

٢- گام دیاتونیک اروپایی همنوازی بین چند ساز مختلف را آسان کرده است
چونکه میتوان برای هر ساز یکی از دوازده گام، کوچک یا بزرگ، را که بآن ساز بخورد انتخاب کرد.
این نوع همنوازی اجازه میدهد ساز هارا بچند گروه تقسیم کرده
و برای هریک گروه، نت های ِ جدا گانه ای نوشت
بطوریکه در جمع، چند صدایی تولید شده و عمق ِ محسوسی باجرای یک قطعه موسیقی بدهد.

٣- علاوه بر هشت نت اصلی که در بالا بآنها اشاره شد،
چهار نوت فرعی دیگر نیزممکن است گاهگاهی موردِ استفاده قرار بگیرند.

روشهای متداول کوک کردن ساز پیانو :

همانطور که در آغاز این مقاله ذکرشد پیانویی که دارای هفده صوت در اکتاو بوده
و دارای تمام صوتهای ِ لازم ِ ایرانی باشد یافت نمیشود.
خوشبختانه گام دیاتونیک ایرانی، مانند گام دیاتونیک اروپایی، بر مبنای هشت نت اصلی ساخته شده
که در آن نت اول و هشتم ١٢٠٠ سنت از یکدیگر فاصله دارند،
با این تفاوت که هشت نتِ اصلی ایرانی از هفده نتِ نا معتدل ِ “کروماتیک ایرانی” انتخاب شده
نه از دوازده صوت معتدل “کروماتیک اروپایی”.
معضل ِ جا دادن هفده صوت ایرانی در دوازده کلید ساز پیانو را
میتوان با ایجاد پنج گام دیاتونیک ِ نا معتدل، یا پنج کوک خاص حل کرد.
این پنج کوک که هریک با نام یکی از دستگاه های موسیقی ایرانی شناخته میشوند
و بیش از صد سال پیش در بین پیانو نوازان ایرانی رواج یافته است،
باین قرار است:

١- کوک شور، معرف دستگاه نوا و دستگاه شور و چهار نغمه آن- دشتی، ابوعطا، بیات زند و افشاری
٢- کوک ماهور، معرف دستگاه ماهور و دستگاه راست پنجگاه
٣- کوک همایون معرف دستگاه همایون و نغمه های آن- اصفهان و شوشتری
۴- کوک سه گاه معرف دستگاه سه گاه و بالاخره
۵- کوک چهارگاه معرف دستگاه چهار گاه.

کوک ساز پیانو به منظور اجرای موسیقی ایرانی با وجود قدمت بیش از صد سال،
هنوز به مرحله مشخصی نرسیده است
و بستگی زیادی به انتخاب سبک و حساسیت گوش ِ خودِ نوازنده دارد،
علاوه بر آن ساز های دیگر هم مجبور هستند خود را با ساز پیانو وفق دهند.
بعلاوه فواصلی که تا بحال مورد تائید نوازندگان ایرانی بوده،
شامل پرده، نیم پرده، ربع پرده، سه چهارم پرده و پنج چهارم پرده، با اذعان همه نوازندگان اعدادی تقریبی اند.

آموزش پیانو

با دردست نداشتن وسایل اندازه گیری تنش صوتی و مقایسه آن با معیار های شناخته شده،
کوک پیانو سنتی امری کاملا ً خصوصی و شخصی بجا مانده است.
باوجود چالش های فوق میتوان وجوه مشترکی در روش کوک پیانو بین نوازندگان سنتی مشاهده کرد

١ – اکثر نوازندگان کوک معتدل را ماخذ قرار داده
و فقط به تغییر معدودی از دوازده کلید ِ هنگام اکتفا میکنند.
باین ترتیب بیشتر فاصله ها بصورت معتدل ِ یکصد یا دویست سِنتی باقی میمانند.
٢ – چون وسعت تنش ِ ساز های ایرانی بیش از سه هنگام نیست،
معمولا فقط سه هنگام میانی ِ پیانو مورد استفاده قرار میگیرد.
٣ – ممکن است با دقت در کوک پیانو نوازنده بتواند مرکب نوازی کند
یا بعبارت دیگر از یک دستگاه بدستگاه دیگری برود،
هرچند اجرای مرکب نوازی مستلزم شنوایی بسیار حساس و آشنایی کامل بگوشه های دستگاه های مورد نظر است.
۴ – در بعضی کوک ها ممکن است فواصل یک گام را با فواصل گام ِ پیشین و یا بعدی تا اندازه ای تغییر داد.
این روش که در بعضی از کوک های سنتورمرسوم است،
منحصر به پیانو معمولیست و اجرای آن گرچه مهم ولی در پیانو الکرونیکی غیر ممکن است

در دو دهه اخیر آقای پروفسور هرمز فرهت
که سالها سمت استادی کرسی موزیک را در دانشگاه دوبلین داشتند
کتابی بعنوان “پندار دستگاه در موسیقی فارسی ” منتشر کردند
که در آن شرح مبسوطی راجع باندازه گیری فواصل نت ها در گام های ایرانی درج شده است.
با مطالعه برروی چند سه تار که بدقت کوک شده اند،
ایشان براین باورند که

فواصل را میتوان به پنج دسته مشخص تقسیم بندی کرد:

١- پرده ها که فاصله آن بین ٢٠٠ تا ٢٠۵ سنت است و اندکی با پرده دیاتونیک اروپایی تفاوت دارد.
٢- نیم پرده هایی که فاصله آنها ٩٠ سنت یا کمتر است و کاهش محسوسی از نیم پرده اروپایی است.
٣- پرده های میانی کوچک که فاصله آنها بین ١٢۵ و ١۴۵ سنت میباشد.
۴- پرده های میانی بزرگ که فاصله آنها بین ١۵٠ و ١٧٠ سنت است.
۵- پرده اضافی که فاصله آن در حدود ٢٧٠سنت بوده یعنی نزدیکتر به یک و نیم پرده اروپائیست و مورد استفاده زیادی نیست.

در اینجا برای روشن شدن نکات بالا بدو مثال اکتفا میکنیم
که هر دو آنها کوک هائیست که آقای رامین ذوالفنون در نواختن موسیقی ایرانی بر روی پیانو بکار میگیرد.
این قطعات به منظور اندازه گیری دقیق فواصل بر روی پیانو الکترونیکی اجرا شده است.
ایشان دارای سابقه طولانی در نواختن پیانو به سبک استادِ شادروان مرتضی محجوبی بوده
و سال هاست که با کوکِ ساز پیانو مأنوسند

روش کوک کردن پیانو الکترونیکی :

در پیانو الکترونیکی که مجهز به نرم افزار مخصوص کوک کردن باشد
میتوان تنش هر کدام از دوازده کلیدِ هنگام را تا ۶۴ سنت بالا برد ویا کاهش داد.
این کار بوسیله گذاشتن اعدادی از ۶۴- تا ۶۴+ در محل مخصوصی برای هر کلید انجام میشود.
اگر کلیدی دارای عدد صفر باشد تنش آن با تنش ِ همان کلید در گام معتدل یکی است.
بعد از تنظیم کردن یک هنگام، کلید های دیگر ساز پیانو خود بخود تنظیم میشوند.
این دوازده عددِ تنظیم که باسم آفسِت شناخته شده اند
در حقیقت معرف کوک یک دستگاه مشخص در یک کلید معین ( کلید تونیک یا نت اول گام دیاتونیک) است.

بنا بر این برای هر دستگاه میتوان دوازده گام دیاتونیک نوشت
که فواصل صوتی هر یک با فواصل صوتی ِ یازده گام دیگریکسان است.
دسترسی به این دوازده گام برای هر دستگاه، همنوازی را بآسانی ِ موسیقی اروپایی میکند،
اگر چه در گام های سنتی اثری از اعتدال نیست.
همچنین با همین نرم افزار میتوان آفست های ِ هریک از گام هارا بآسانی به بایگانی سپرد
و در صورت لزوم هریک راکه مورد نیاز باشد درظرف چند ثانیه روی ساز پیانو سوار کرد.
با توجه باینکه پیانو الکترونیکی میتواند صدای چندین صد ساز مختلف را ارائه بدهد،
این ساز میتواند وسیله ای آسان برای گشایش تنوع و ایجاد چند صدایی در موسیقی ما بشود.

آموزش ساز پیانو

نرم افزار ِ “پرده” که بوسیله آقای دکتر علی رضایی ابداع شده است
گنجینه ای وسیع و در ضمن ساده در دسترسی ما قرار داده
که با آن میتوانیم گام های ایرانی را، که قرن ها در این مرز و بوم رایج بوده و هست،
زیر ذره بین فیزیکی و علمی قرار بدهیم.

با این نرم افزار می توان کلیه دستگاه ها، نغمه ها وگوشه ها را،
که در تمام ایران و یا در بخشی از آن رایجند، تحت مطالعه دقیق و سنجش با یکدیگر قرار داد
و با انتخاب یک دستگاه و یک کلید تونیک میتوانیم هر دوازده آفسِت و هر هفت فاصله دیاتونیک را بدست آوریم.
مضافا بر اینکه میتوان هر یک از آفست ها را بمیل خود تغییر داده
و اثر آنرا در گام دیاتونیک مشاهده کرد
ویا به پیروی نوازندگان ساز پیانو معمولی از گام معتدل شروع کرده و بمیل خود گام جدیدی بسازیم.
بهر صورت اگربما عنایت کرده و از کشفیات خود در این موضوع مارا مستحضر کنید
باعث سرفرازی اینجانب و آقای دکتر رضایی خواهد بود.

مجموعه سی پنج گام ِ دیاتونیکی که بهمراهِ نرم افزار “پرده ” ارایه میشود
گام هایی هستند که با همنوازی، با ارکسترهای سنتی ِ شناخته شده ایرانی
و بعضی از خوانندگانی که سابقه درازی دراجرای آواز دارند بدست آمده است.
منشأ این موزیک دیسکت هایی هستند که در دو دهه اخیر ببازار عرضه شده اند،
ازجمله چندین دیسکت از گلهای رنگارنگ،
ارکستر های استاد فرامرز پایور و استاد روح الله خالقی و کنسرت های خانم پریسا و آقای محمد رضا شجریان که در سالهای اخیر در اروپا یا در امریکا اجرا شده اند.

آموزشگاه موسیقی

با وجود تفاوت محسوسی که در بعضی از موزیک های محلی وجود دارد،
بواسطه نداشتن آشنایی با آنها، سعی در جدا کردن آنها از بقیه نشده است
با اذعان بر اینکه ریشه و منشأ اکثر گوشه های سنتی بظن قوی همین آواز های محلی هستند.

چنانکه در بالا اشاره شدهمنوازی با ساخته های استادان موسیقی،
ویا بزعمی دیگرفراگرفتن سینه به سینه،
کلید راهبردیست برای آشنا شدن بدستگاه ها و نغماتی که پایه و اساس موسیقی مارا تشکیل میدهند
ولی همصدا کردن ساز پیانو الکترونیکی با سازهای سنتی ایران کار دشواریست
چونکه ساز های ما بر مبنای استاندارد های معمول ( لا مساوی ۴۴٠ هرتز ) کوک نمیشوند.
اگرچه در پیانو الکترو نیکی نرم افزاری وجود دارد بنام “میکرو تونینگ ”
که تنش همه کلید های پیانو را باندازه مشخص بالا برده و یا کاهش میدهد
ولی متاسفانه این نرم افزار فقط در گام معتدل کاربرد دارد.
تنها راه گذشت از این معضل استفاده کردن از اهرم “تغییر صوت” است
که وسیله ایست برای بالا بردن و یا کاهش تنش صوتی
و معمولا ً فقط در حین نواختن پیانو از آن استفاده میشود.
با برداشتن فنری که خود بخود آنرا در وسط نگاه میدارد
میتوان اهرم را برای اضافه یا کاهش کردن تنش تا ١٢٠٠ سنت بکار برد
و از آن برای هم کوک کردن ساز پیانو جهت همنوازی استفاده کرد.

کاربرد پیانو برای نواختن موسیقی سنتی

آموزشگاه موسیقی – کلاس موسیقی – کاربرد پیانو برای نواختن موسیقی سنتی  – آموزش موسیقی – آموزش گیتار – آموزش پیانو – آموزش آواز – آموزش خوانندگی – آموزش سلفژ – آموزش صدا سازی – بهترین آموزشگاه موسیقی – آموزش سنتور آموزش تار – آموزش ویولن – استاد خوب – 

5 نمونه از بهترین مارک پیانو در جهان

چه کسی سازنده بهترین مارک پیانو در دنیاست؟

ما هر سال هزاران پیانو را انتقال می دهیم و اغلب از ما پرسیده می شود که “ بهترین مارک پیانو چیست؟ ” صدها سازنده پیانو در دنیا وجود دارند اما تنها تعداد کمی از آنها کیفیت و تاریخچه ای برجسته برای انتخاب شدن به عنوان سازنده بهترین مارک پیانو دنیا را دارند.

مقیاسی عملی وجود ندارد که بتوان از آن برای اندازه گیری کیفیت و ارزش این ساز زیبا استفاده کرد. ترکیبی از تن، صدا، اکشن، تاریخچه و شور است که هر ساز را اشباع می کند. بهترین سازندگان پیانو، سازهایی بدون تاریخ مصرف می سازند، که صدایی بی رقیب، تن (لحن) و یا محدوده ای پر قدرت تولید می کند. به این ترتیب انتخاب بهترین سازندگان پیانو، یک ارزیابی ذهنی است، اما در طول سالیان ما به نظرات پیانیست ها، کوک کنندگان، نوازندگان و فروشندگان پیانو گوش دادیم، و با ترکیب این دانش (داده ها) لیست بهترین سازندگان پیانوی دنیا را گردآوری کردیم.

بدون هیچ ترتیب مشخصی، این لیست 5 سازنده بهترین مارک پیانو است:

بوزندورفر – Bösendorfer

بوزندورفر (Bösendorfer) یکی از قدیمی ترین سازندگان پیانوی لوکس در دنیا است، که در وین اتریش در سال ۱۸۲۸ شروع به کار کرد. ایگناز بوزندورفر (Ignaz Bösendorfer) شرکت را تاسیس کرد و از افتخار لقب “پیانو‌ساز رسمی” امپراطور اتریش در ۱۸۳۰ برخوردار بود. بوزندورفر به دلیل ابداع در توسعه دادن صفحه کلید ۸۸ کلیدی به صفحه کلید Imperial Grand (مجلل بزرگ) که دارای ۹۷ کلید است، (۸ اکتاو )، معروف است. این محدوده اضافه، Imperial Grand را به یکی از دوست داشتنی ترین پیانوهای رویال (گرند)(Grand) کنسرت در جهان تبدیل کرده است، که تا به امروز نیز این محبوبیت ادامه دارد. کلید‌‌های اضافه به قدری محبوب بود که بوزندورفر صفحه کلیدش را بر روی دامنه بسیاری از تولیداتش گسترش داده است.

ما در جهان به خاطر کیفیت، غنای برجسته رنگ تن، و صدای خالص و الهام بخشمان معروف هستیم. دستیابی به یک بوزندورفر در طول عمر بسیاری از افراد، یک رویا است. ما برای آنها، چیزی بسیار ویژه، با از خودگذشتگی و حرفه ای بودن می سازیم: Bösendorfer در میان بزرگان (Grands)

بوزندورفر پیانو‌های لوکس و منحصر به فردی را پیشنهاد می دهد، آنها در سال، تنها چند‌صد پیانو می سازند و هر پیانو دست ساز می باشد. پیانو های آنها با صدایی تیره تر و یا صدایی غنی‌تر از پیانوهایی با صدایی خالص اما کمتر قوی، شناخته می شوند.

بلوتنر – Blüthner

یکی دیگر از تولید کنندگان بزرگ پیانو، این بار از لایپزیش (Leipzig) آلمان است. در سال ۱۸۵۳ Julius Blüthner شرکت را پایه گذاری کرد و تا امروز فعالیتش (کمپانی) ادامه دارد و توسط خانواده بلوتنر اداره می شود. ۴۷ سال بعد بلوتنر با ساخت بیش از ۵,۰۰۰ ساز در سال، به بزرگترین سازنده پیانو در آلمان تبدیل شد. پیانو‌های بلوتنر هنوز به خاطر کیفیت و تن صدای روشن معروف هستند. ویلهلم کمپف (Wilhem Kempff)، پیانیست تحسین شده، از پیانو‌‌های بلوتنر (Blüthner Pianos) به عنوان «دقیق» یاد می کند و از آنها به خاطر داشتن زیبایی بی نظیر تجلیل می کند.

برای اولین بار یک گرند پیانوی (Grand Piano) مارک بلوتنر در یک رسیتال هوایی استفاده شد، کمپانی یک پیانو برای بالون مشهور هیندنبورگ (Hindenburg)، ساخته بود که با آن از اقیانوس آنلانتیک عبور کرد. جنگ جهانی دوم این سازنده پیانو را تحت فشار قرار داد و کارخانه آنها توسط یک حمله هوایی در سال ۱۹۴۳ تخریب شد، خوشبختانه این کارخانه در سال ۱۹۴۵ بازسازی شد.

در طول سال‌ها و تا به امروز، بلوتنر ساز های زیادی ساخته و اعتبار و شهرتش در کیفیت فوق العاده را حفظ کرده است. پیانو‌های بلوتنر توسط ملکه ویکتوریا (Queen Victoria)، لیست (Listz)، برامز (Brahms)، تزار نیکولای دوم (Tsar Nicholas II)، راخمانینف (Rachmaninov) و چایکوفسکی (Tschaikovsky) خریداری و نواخته شده است.

۵ مدال طلا توسط نمایشگاه لایپزیش (Leipzig)، به خاطر پیانوهای دست ساز و خیره کننده به بلوتنر اعطا شده است. اگر شما نمی توانید یکی از سازهای اعلای بلوتنر را تهیه کنید، این شرکت دو رنج دیگر از پیانو را به شما پیشنهاد می دهد، دسته Heassler و دسته Irmler.

اشتاین وی اند سانز – Steinway & Sons

اشتاین وی اند سانز (Steinway & Sons) احتمالا شناخته شده‌ترین و مورد احترام‌ترین سازنده پیانو در دنیاست. هر پیانو Steinway & Sons بیش از یک سال زمان می برد تا توسط صنعت گران با مهارت ساخته شود و هر پیانو از بیش از ۱۲,۰۰۰ قسمت ساخته می شود. هیانریش انگلهارد اشتاینوگ (Heinrich Engelhard Steinweg) وقتی که به ۲۰ سالگی رسید، در آشپزخانه اش در Sessen آلمان شروع به ساختن پیانو کرد. ۲۵ سال بعد از ساختن پیانو “آشپزخانه‌ای” اش و ۴۸۲ ساز دیگر، هاینریش تصمیم گرفت به آمریکا برود. در سال ۱۸۵۳، Steinway & Sons امروزی، که احتمالا معروفترین سازنده پیانو برای ما محسوب می شود، توسط Henry E Steinway و خانواده‌اش در نیویورک، تاسیس شد.

Steinway & Sons به عنوان بنیان‌گذار پیانو مدرن در نظر گرفته می شود و تا امروز ۱۲۷ پتنت را به نام خود ثبت کرده است. ۱۷۰۰ پیانیست حرفه ای و بسیاری دیگر از موسسات موسیقی از پیانو‌های Steinway & Sons استفاده می کنند. Steinway & Sons هنوز در نیویورک پیانو‌هایش را می سازد و البته یک کارخانه در هامبورگ نیز دارد.

آموزشگاه موسیقی در تهران

این شرکت پیانو‌های رویال (Grand) و دیواری (Upright) تولید می کند و همچنین دو خط تولید سفارشی به نام جواهرات تاج (Crown jewels) و سفارشی (Costum) برای مشتریانی که قطعه خاصی می خواهند، دارد.

هر پیانوی رویالِ (گرند) (Grand) اشتاین وی (Steinway) یک شاهکار منحصر به فرد است که توسط دست صنعتگران تولید شده است. ما زمانمان را در تولید صرف می کنیم – همه چیز بی سر و صدا و با مراقبت انجام می شود.

Steinways & Sons جایزه های بسیاری از نیویورک، پاریس و بسیاری از سازمان‌ها برای کیفیت پیانو‌هایش دریافت کرده است. این به این معناست که پیانو‌هایشان ارزان نیست اما خبر خوب این است که اگر شما نمی توانید یک Steinways & Sons تهیه کنید، شرکت دو برند قابل تهیه دیگر به نام‌های Esse- و Boston را نیز تولید می کند. Esse- برند سطح ورودی (entry-level) از Steinway است و Boston بازار سط میانی را هدف گرفته است.

بکشتاین – Bechstein

بِکشتاین (Bechstein) به تولید پیانوهایی با تن صدای عالی و زیبایی مشهور است. همانطور که همراه با تمام سازندگان بهترین مارک پیانو در اینجا لیست کردیم، بِکشتاین هم هر یک از سازهایش را به وسیله دست می سازد. شایان ذکر است که Bechstein یکی دیگر از تولید کننده‌های پیانو است که در سال ۱۹۵۳ در آلمان و این بار در برلین شکل گرفته است. کارل بکشتاین (Carl Bechstein) نخستین پیانوی خود را برای نوازنده قوی و پر انرژی و همچنین شناخته شده به عنوان یک پیانیست دقیق و ظریف ساخت.

در سال ۱۸۸۵ بِکشتاین رشد کرده بود و یک فروشگاه در لندن افتتاح کرد و اوج موفقیتش زمانی بود که ملکه ویکتوریا یک پیانوی رویال (Grand) (گرند) Beckstein طلاکاری شده از این شرکت خریداری کرد. فروشگاه لندن به عنوان بزرگترین نمایشگاه در اروپا بزرگ شد و شرکت در ادامه این روند Bechstein Hall را ساخت که امروزه آن را با نام ویگمور هال (Wigmore Hall ) می شناسیم. بسیاری از ستارگان و هنرمندان دیگر نیز از حامیان این برند بوده اند، ازجمله بیتلز (the Beatles)، التون جان (Elton John) و فردی مرکوری (Freddy Mercury).

کلاس آموزش پیانو

کلود دبوسی (Claude Debussy): “یک نفر باید، فقط آهنگ پیانو برای بِکشتاین (Bechstein) بنویسد.”

در سال ۱۹۹۲ بِکشتاین از برلین به محل فعلیش در زایفِنِنرزدُرف (Seifhennersdorf ) نقل مکان کرد. از آن زمان بِکشتاین بیش از ۱۸ میلیون پوند بر روی تکنولوژی و طراحی، برای حفظ خط مقدم طراحی پیانو سرمایه گذاری کرده است. شور و شوق و تعهد به کمال دومین ها در خانواده بِکشتاین هستند. مدیر فنی کارکنان خود را دارد که به صورت جداگانه میله چکش را برای قسمت‌های زیر (تریبل)، وسط و یا بم (باس) با توجه به زیر و بمی صدای طبیعی میله، انتخاب می کند.

فراتر از کیفیتِ صدای آهنگ پیانو، بِکشتاین به عنوان خالق قاب‌های (چهارچوب) هنری پیانو منحصر به فرد، شناخته شده است. اینجا، مکانیست که هنرمندان به صورت جداگانه قاب‌های (Cases) پیانو را آرایش و تزئین می کنند تا قاب پیانویی منحصر به فرد و بی نظیر بسازند. پس شما تنها یک ساز با صدای عالی دریافت نمی کنید، بلکه این ساز یک تکه از هنر را نیز، درست در داخل خودش دارد. در حقیقت بعضی از قاب‌های هنری پیانو‌های بِکشتاین، قطعاتی در حد و اندازه موزه هستند.

فاتسیولی – Fazioli

هر چند که این شرکت در سال ۱۹۸۱ شروع به کار کرد، اما پائولو فاتسیولی (Paulo Fazioli) را یکی از برترین سازندگان پیانو در جهان ساخته است. به عنوان یک پیانیست کسنرت و فرزند کابینت ساز مشهور پائولو فاتسیولی پیشینه ای عالی، برای ساخت یک پیانوی بی نظیر داشت. او با اشتیاق یک ساز با لمس (تاچ) و تن (لحن) بی همتا و غیر قابل رقابت، ساخت. به عبارت ساده تر پائولو فاتسیولی می خواست بهترین پیانویی که می توان با پول خرید، را بسازد.

برای تولید پیانو‌های رویال (Grand) و پیانو‌های رویال کنسرت (Grand Piano Concert)، به صورت انحصاری، هدف بالاترین کیفیت بدون نگرانی برای تولید بزرگ است.

ساخته شدن در ایتالیا این پیانو را ارزان نمی کند، برچسب قیمت‌های آن، از حدود ۱۰۰,۰۰۰ دلار تا ۳۰۰,۰۰۰ دلار است. این پول بسیار زیادی است، اما شرکت تنها بین ۱۲۰ تا ۱۳۰ پیانو در سال تولید می کند، آنها حتی یک پیانو با ورق طلای ۲۴ عیار هم می سازند. با این حال فاتسیولی فقط پیانو های رویال و یا پیانوهای رویال کنسرتی می سازد، و این شرکت پیانوی دیواری (Upright) تولید نمی کند. همچنین هیچ وقت سعی نکنید که بزرگترین پیانوی رویال کنسرتی ساخته این شرکت را خودتان تکان دهید، پیانوی زیبای مدل F308 نزدیک به ۵۷۰ کیلوگرم وزن دارد و اندازه آن بیشتر از ۳ متر است. این سازنده پیانو جوان، یک علامتِ تولیدِ ساز، ساخته است که با شهرتی دست نیافتنی و احترام همراه است. اگر شما از لحاظ مالی توانی تهیه یک پیانوی این شرکت را دارید، فاتسیولی (Fazioli) یک ساز واقعا زیباست، و با توجه به تولید کم، پتانسیل واقعی برای یک سرمایه گذاری بزرگ را دارد.


آگهی و تبلیغکولر گازی – آموزش پیانو – آموزشگاه موسیقی – کلاس موسیقی – آموزشگاه موسیقی شرق تهران – بهترین آموزشگاه موسیقی – استاد پیانو

نکاتی در تدریس و نوازندگی پیانو

بر کسی پوشیده نیست که نوازندگی پیانو نیز مانند تمامی مهارتهای فیزیکی هنری و حتی غیر هنری چنانچه علاوه بر تمرین و ممارست با مطالعه تجارب دیگران، روشها و مفاهیم بنیادی توام باشد،
در نهایت نتیجه بهتری را عاید هنرجو خواهد کرد.
به همین علت نوازندگان باید ایده های کهنه ای مانند تمرین های مدام و مکانیکی صرف را کنار گذاشته و به نوازندگی بصورت علمی تر و هنری تر نگاه کنند و آنرا صرفا یک مهارت فیزیکی نپندارند.

مجموعه راهنمایی های زیر از جمله مواردی است که رعایت و مد نظر قرار دادن آنها می تواند شما را در گرفتن نتیجه بهتر از زمانی که صرف تمرین می کنید، یاری دهد.
توجه داشته باشید که بسیاری از موارد مطرح شده می تواند برای نوازندگان سایر سازها نیز مفید باشد.

مواردی در تدریس و نوازندگی پیانو

۱ – زمانی که پس از یک وقفه طولانی مجدداً تصمیم دارید به دنیای نوازندگی پیانو بازگردید،
اجرای آهسته قطعات واقعی موسیقی برای شروع، بهتر از تمرین کردن و اجرای اتودهای تکنیکی است.
زیرا نواختن یک قطعه موسیقی به سبب فرازو نشیب های طبیعی که دارد
ماهیچه ها را وادار می کند تا بصورت روان و طبیعی در طول اجرای قطعه فعال شوند
برخلاف اجرای تمرین های تکنیکی که بصورت موضعی روی قسمتهای خاصی از بازو، مچ دست یا انگشتان کار می کنند.

۲ – عدم تمرکز و نداشتن اطمینان از اجرای قطعات را جدی بگیرید.
تنها با برطرف کردن آنهاست که قادرید خلاقیت و ابتکار خود در نوازندگی را پرورش داده آنرا به نمایش در آورید.
یک نوازنده تا زمانی که به توانایی اش اطمینان کامل نداشته باشد، انعطاف پذیری لازم را هنگام اجرا ندارد
و علاوه بر استرس هنگام اجرا به مرور زمان دچار ملال زدگی می گردد.

۳ – مانند یک خواننده که روزانه طنین صدا و قدرت ماهیچه هایش را تمرین داده و آزمایش می کند،
هر روز صدای متمایز و مختص همان روز را در ساز خود خلق و احساس کنید،
بدین ترتیب هماهنگی لازم بین اندیشه و احساس در اجرای یک آهنگ میسر می شود.

۴ – به خاطر داشته باشید که دستیابی به یک تکنیک قابل اطمینان در پاسخ “نیاز به شنیدن صدایی بی عیب و نقص” امکان می یابد،
درست مانند اینکه برای راه رفتن درست مجبورید از نقطه A به نقطه B قدم بردارید.

به عنوان یک مثال مشخص زمانی که سعی در تمرین استفاده مجدد از پدال به هنگام تغییر هارمونی را می کنید،
لازم است ابتدا نت ها، سپس هارمونی را تجربه کنید.
در مرحله بعد نیاز به غنی تر کردن صدا و بالا بردن damper ها و در نتیجه افزودن طنین و غنی کردن هارمونی را دارید.
پس از آن لازم است هر دو نت را با هم در یک پدال گوش دهید،
نهایتا مایل به شنیدن نت اول، توقف آن و نت دوم در ادامه هستید.
این کار و تولید چنین صدایی مطلقاً با شمارش و بالا پایین کردن پدال میسر نیست،
زیرا بر طبق یک نیاز و برای رسیدن به یک هدف خاص برنامه ریزی نشده است.

آموزش پیانو

۵ – سعی کنید در ابتدا قدرت تخیل، اندیشه و تصور خود را تقویت کنید،
پس از آن به توانایی فیزیکی ماهیچه ها و انگشتان خود توجه کنید.
با این روش قادر خواهید بود ایده و اندیشه را با مهارت فیزیکی همراه کنید و آوای مورد نظر را خلق نمائید.
این همراهی تنها با تلاش مستمر و تخیل مداوم آهنگ مورد نظر، سعی در خلق و پیاده سازی آن چه در ذهنتان است
و همچنین در نظر گرفتن احساس مربوطه، امکان پذیر است.

همانطور که بسیاری از بزرگان و نوابغ موسیقی “احساس کردن موسیقی”
و “گوش دادن با تک تک عضلات بدن” را به عنوان یک اصل مهم در نظر دارند.

معمولا هنرآموزان این موضوع را درک نمی کنند که طی کردن این مراحل، روش دستیابی به یک تکنیک فوق العاده است
و به اشتباه این تصور را دنبال می کنند که تمرینهای سریع بدون وقفه و فکر به حرکات سریع و نمایشی انگشتان نتیجه بهتری دارد
تا تمرینهای آرام و پیوسته همراه با تفکر و تعمق.

در حقیقت باید سعی کنید تا یک بار در مقام نوازنده موفق به برقراری ارتباط لازم بین تفکر و انگشتانتان شوید
و از آن پس تنها به موسیقی فکر کنید.
در آنصورت خواهید دید که به چه سادگی در موقع لزوم از پس هر سرعت اجرایی که لازم باشد بر خواهید آمد.

۶ – رسیدن به نقطه کمال در نوازندگی یا موسیقی، یک هدف واحد است که کلیه نوازندگان از ابتدا باید به آن توجه کنند.
هنرآموز باید به طور مداوم در شرایطی قرار گیرد که مجبور به تصمیم گیری باشد
و از این طریق اعتماد به نفس لازم را در خود پرورش داده به توانایی خود در حل مشکلات ایمان پیدا کند.

به طور کلی بهتر است اساتید تا حد ممکن دست شاگردان را در انتخاب باز بگذارند
و آنها را به تعمق هر چه بیشتر و مسئولیت پذیری در مقابل غایت مطلوب آهنگساز تشویق نمایند.

این طرز تفکر که “من به عنوان نوازنده مهم هستم و افکار آهنگساز برایم چندان اهمیتی ندارد”
از خطرناک ترین خصیصه های یک نوازنده است.
در عین حال نکته مهمی که لازم است اساتید در کنار موارد فوق مد نظر داشته باشند این است که همواره برای تصمیم گیری شخصی هنرآموزان نیز ارزش قائل شوند.

۷ – موسیقی مفهومی فراتر از نت های ساده و خالص دارد.
نوازندگان باید این غنا را در نگرش موسیقیایی خود بپذیرد.
این کار با مطالعه دانش موسیقی، تاریخ و گوش دادن به قطعات موسیقی امکان پذیر است.

۸ – با چهار انگشت تمرین کنید و ببینید آیا انگشت آزاد شما در هنگام نواختن آرام و راحت باقی می ماند یا خیر ؟

۹ – به عضلات دست امکان نفس کشیدن بدهید،
برای سالم ماندن ماهیچه ها و عضلات در هنگام نواختن، سیکل های فشار و استراحت برای انگشتان در نظر بگیرید.

۱۰ – رابطه بین صدا و حرکت انگشتان را مد نظر داشته باشید.
این کار یک مسیر ارتباطی بین نگرش ذهنی و حرکت فیزیکی خلق می کند.

۱۱ – منحنی های موزون را در ساخت یک قطعه پیدا کرده و مورد استفاده قرار دهید،
درست مانند ساختن پلی که هر جزء آن شکل متفاوتی دارد.
بنابراین تمام اجزاء به یکدیگر وابسته می شوند و هر یک نقشی حیاتی در نگهداری پل برعهده دارند.
برخلاف دیواری که کلیه آجرهای آن یک اندازه و یک شکل هستند!

۱۲ – نوازندگی آرام را تمرین کنید و به حالت شناور انگشتان خود را بر روی کلیدها حرکت دهید.

۱۳ – بهره گیری از پدال را با تمرین های زیاد فرا بگیرید از قطع کردن ناگهانی یک آکورد گرفته تا از بین بردن شدت صوت بصورت تدریجی.

۱۴ – توانایی دست چپ خود را تقویت نمایید و به همراهی آن معنا بخشید،
در عین حال توجه داشته باشید که هر کدام از دستهای شما مسئولیت خاصی در اجرا دارند
در اغلب موارد نباید سعی کنید مهارت هر دو را به یک اندازه برسانید.

۱۵ – مهارت دست چپ خود را بیشتر به سمت همراهی ببرید تا اجرای ملودی.

۱۶ – به حرکات موزون – رقص – انگشتان خود دقت کنید.
زمانی این حرکات درست هستند که نوانس ها، جمله بندی و آرتیکولیشن (articulation) درست اجرا شود.

۱۷ – نوازندگی را با هدف اجرای زیبای جملات و قطعات تمرین کنید نه سرعت و تکنیک.
این روش خودبخود مشکلات تکنیکی را برطرف کرده و احتمال آسیب دیدگی ماهیچه های شما را کاهش می دهد.

۱۸ – آموزش و تمرین شنیداری باید جزء اصلی هر جلسه تدریس یا تمرین باشد.

۱۹ – هنگام اجرای قطعه بدون در نظر گرفتن وجود ساز، قطعه موسیقی راهدایت کنید به آن فکر کنید و هرگز خواندن با آنرا فراموش نکنید.

۲۰ – حتی هنگامی که یک قطعه کلاسیک را اجرا می کنید به هارمونی آن توجه کنید
و آنرا بدون توجه به قطعه با رنگهایی که خودتان به آن اضافه می کنید تمرین کنید.
به این ترتیب با فضای قطعه بدون درگیری با ملودی های – احیاناً پیچیده آن – آشنا می شوید.

۲۱ – مانند عملکرد ریشه گیاهان که راه خود را برای رسیدن به آب می یابند،
انگشتان دست نوازنده نیز باید به دنبال نت ها حرکت نمایند.
باید از نحوه دنبال کردن نتهای موسیقی توسط انگشتان لذت ببرید.

۲۲ – سعی کنید ملودیها و قطعات را در ذهن خود در کلید های دیگر انتقال داده و به لحظه اجرا کنید.
اینکار مهارت دشیفر شما را افزایش می دهد.

۲۳ – تحلیل های Schenker-style را به منظور قدردانی از استعداد خارق العاده و خلاقیت های آهنگساز به کار گیرید.

مواردی در تدریس و نوازندگی پیانو

مواردی در تدریس و نوازندگی پیانو

بهترین-آموزشگاه-موسیقی-تهران

معرفی بهترین آموزشگاه های موسیقی در تهران

آموزشگاه موسیقی

ما برترین ها را برای آموزش شما برگزیده ایم تا شما به آنچه که می خواهید برسید.

علاقمندان به موسیقی در زمینه های آواز – خوانندگی کلاسیک ، پاپ و سنتی می توانند با ثبت نام در کلاس ها و دوره های آموزشی حرفه ای 

صدا سازی و سلفژ …

زیر نظر اساتید برتر کشور با جدیدترین متد روز دنیا به ایده آل و آنچه که می خواهند دست پیدا کنند.

با منتخبى از برترين اساتيد و هنرمندان موسيقى كشور 

در زمينه آواز ايرانى، پاپ و كلاسيك ، صداسازى و سلفژ و هم در زمينه تدريس تمامى سازهاى ايرانى و جهانى كه شامل پيانو( كلاسيك ، پاپ و ايرانى )،

گيتار( كلاسيك، پاپ،الكتريك، آكوستيك و فلامنكو )، ويولن، كمانچه ، تار و سه تار، عود، نى، دف ، تنبك، تمپو ( داربوكا ) ، كاخن ، سنتور ،

تنبور ، كليه سازهاى بادى شامل : ساكسيفون، كلارينت، فلوت ريكوردر و فلوت كليد دار، هارمونيكا ( سازدهنى )،دودوك، كيبورد، ارف

( موسيقى كودك )

از سنين سه سال به بالا فعاليت رسمى دارد.

مرکز تخصصی آموزش موسیقی در تهران

آموزشگاه موسیقی آوای پارسی شمال تهران

( اقدسیه )

سه راه اقدسيه ، خيابان موحد دانش، نبش بوستان ،

روبروى سفارت چين ، پلاك ٦٦ ، واحد 5

شماره تماس :

021-26149868

021-22290155

آموزشگاه موسیقی هیوا – شرق تهران

( پیروزی )

خيابان پيروزى ، سه راه سليمانيه، روبروى پمپ بنزين،

ساختمان پويا ، پلاك 756 ، طبقه چهارم

شماره تماس :

021-33346200

021-33318968

آموزشگاه موسیقی آوای هیوا غرب تهران

( صادقیه )

پاسداران شمالی، سه راه اقدسیه، خیابان موحد دانش، بین پارک اول و دوم، جنب اتو صدری ، پلاک 95 ، طبقه سوم ، واحد 8

شماره تماس :

021-26138351

آدرس سایت آموزشگاه : موسیقي آوای پارسی

Www.avay-parsi.com

آموزش درام
آموزش کیبورد
آموزشگاه-موسیقی-شمال-تهران-ناردونه-چگونه-گیتار-را-به-بهترین-روش-یاد-بگیریم-آموزشگاه-موسیقی
آموزش پیانو
آموزش پرکاشن
آموزش ویولن سل
آموزش ویولن
آموزش گیتار
آموزش ترومپت
آموزش ساکسوفون
آموزش فاگوت
آموزش ساکسوفون
آموزش هارمونیکا
آموزش سنتور
آموزش کمانچه
آموزش قیچک
آموزش سه تار
آموزش عود
آموزش تنبک
ژوبین عسکریه اثر تازه گروه «پیلدم» را منتشر کرد
نوای دیجریدوی چند هزار ساله در آلبوم «خورشید»

آموزشگاه موسیقی

 صبح روز سه شنبه 11 آذر ماه نشست خبری گروه «پیلدم» به سرپرستی ژوبین عسکریه، به

بهانه انتشار اولین آلبوم رسمی‌اش با نام «خورشید» و برگزاری کنسرت آن در تاریخ 16 دی در

برج آزادی تهران برگزار شد.

ژوبین عسکریه نوازنده دیجیریدو و و سرپرست گروه «پیلدم» در ابتدای نشست در مورد آغاز

فعالیت‌های خود گفت: «نخستین اجرای رسمی ما سال 90 در سالن سرنا بود که آن زمان

اجراهای ما با عنوان «اجرای پژوهشی» برگزار می‌شد. نوازنده درامز ما برای آن اجرا، در روزهای

منتهی به برنامه از حضور خودداری کرد و پس از آن علیرضا شمس اسکندری درامر ما شد و به

لطف خدا توانستیم اجرای خوبی داشته باشیم. پس از آن برنامه، با علیرضا قرار گذاشتیم که یک

ماه در استودیو او آلبوم را ضبط کنیم که این یک ماه تا امروز که آلبوم منتشر شد نزدیک به 7 سال

به طول انجامید! از سال 93 تا 97 در استودیو مشغول اصلاح قطعات بودیم. برای میکس آن زحمات

زیادی کشیده شد، به طوری که حامی حقیقی که مسترینگ آلبوم را بر عهده داشت، پس از اتمام

کارهای مسترینگ گفت به قدری میکس آلبوم خوب بود که من کار زیادی نداشتم.»

او در ادامه گفت: «شرکت طنین صوت مجوزهای این آلبوم را گرفت و امیدوارم بازخورد خوبی از

مخاطب بگیریم. این آلبوم اولین کار مشترکی است که با همسرم ریما حسن‌زاده انجام دادیم

و این اتفاق را به فال نیک می‌گیرم.»

عسکریه با اشاره به این‌که اگر آلبوم 7 سال پیش منتشر می‌شد، شاید اتفاق بهتری برای آن

می‌افتاد گفت : «ماهیت کاری که آن موقع ضبط شد با الان خیلی فرق داشت. آن زمان هارمونی

و خط ملودی نداشتیم که به لطف این تاخیر به آلبوم اضافه شد. از حالت سنتی خارج شدیم. در

این آلبوم از هجر تا مدرنیته را می‌توان شنید. ساز دیجیریدو 40 هزار سال قدمت دارد. از 1200 تا 2400

سال غارنگار باستانی این ساز بوده است.»

او همچنین اشاره داشت: «پایه تمامی این قطعات در طبیعت به وجود آمده؛ بر اساس فضای طبیعی

که روح مدرنیته در آن دمیده شده است. ساز دیجیردو به دلیل داشتن فرکانس بم، مخاطب بیشتر از

چند ثانبه نمی‌تواند به طور مداوم به آن گوش کند؛ اما ما در این آثار سعی کردیم طوری کار کنیم که

جلوی این اتفاق را بگیریم و مخاطب عام هم بتواند آن را گوش کند. ما به غیر از قطعات این آلبوم 16-17

قطعه دیگر هم آماده داریم که در حال کارکردن روی آن‌ها هستیم.»

در ادامه ریما حسن‌زاده که نوازندگی گیتارباس را برعهده داشته اشاره داشت: «وقتی کاری انجام می‌شود،

باید از بیرون به آن نگاه شود تا اختلاف دیدگاه در یک نقطه به هم برسد. روی ساز دیجیریدو تحقیقات

انجام شده و این ساز فرکانس‌هایی دارد که در محدوده شنوایی انسان نیست و فقط آن را احساس

می‌کنیم. در واقع می‌توان گفت ساز دیجیریدو پرکاشن بادی است و بر اساس تنفس کار می‌کند. ضبط

این آلبوم هم بسیار سخت بود زیرا فرکانس‌هایی دارد که هیچ رکوردری قادر به ضبط کردن آن نیست.»

این نوازنده همچنین اشاره داشت: «صدای دیجیریدو با صدای گیتار باس در یک محدوده صدایی هستند

و این مساله باعث شد که ما وقت و انرژی زیادی را برای میکس این آلبوم بگذاریم و صدای این دو ساز

را از هم تفکیک کنیم.»

علیرضا شمس اسکندری نیز در ادامه نشست گفت: «من برای ژوبین عسکریه احترام زیادی قائلم زیرا

رسالتی را دنبال کرد که دور از ذهن بود. این‌که کار این آلبوم مدت زیاد طول کشید  بخشی از آن بر عهده

من بود و بخشی هم به علت وسواس بیش از انداره بود. به هر حال امیدوارم مخاطب با این کار ارتباط برقرار

کند؛ چون آلبومی خاص و تأثیرگذاری است. شاید ما در این آلبوم هارمونی و ملودی به آن شکل نشنویم

اما اتفاقات حسی بسیاری در آن وجود دارد که قطعاً در موفقت آن تاثیرگذار خواهد بود.»

در انتها ژوبین عسکری به ارائه توضیحاتی در مورد کنسرت 16 دی ماه پرداخت و گفت: «از آلبوم «خورشید»

در روز کنسرت رونمایی خواهیم کرد و قطعاتی از این آلبوم مانند خورشید، کهکشان، تندر و جنگل شب را اجرا

خواهیم کرد.»

ژوبین عسکریه (دیجیریدو ، آوا)، ریما حسن‌زاده (گیتار باس)، شادرخ گلچین (دیجیریدو، آوا)،میثم امینی

(اَره و پرکاشن)، شیرین واعظی (درامز) ، سهراب علیمردانی (گیتار الکتریک) ،پوربه ترک‌زاده (هندپن)،

اهورا عسکریه (درامز و پرکاشن)، امیرحسین کیانپور (فلوت سرخپوستی) ومحمدرضا سپهری (کیبورد)

نوازندگان این آلبوم هستند.


 آموزشگاه موسیقیبهترین آموزشگاه موسیقی  – آموزشگاه موسیقی سه راه اقدسیه و اندرزگو منطقه یک 1  – آموزشگاه موسیقی در شمال تهران – آموزشگاه موسیقی خیابان سه راه اقدسیه  – آموزش موسیقی کودک – آموزش موسیقی برای کودکان – کلاس موسیقی – آموزش گیتار – آموزش پیانو – آموزش ویولن – آموزش سه تار – آموزش سنتور – آموزش آواز – آموزش آواز سنتی – آموزش آواز ایرانی – آموزش سلفژ – آموزش صدا سازی – آموزش وزن خوانی – آموزش کاخن – آموزش تنبک – آموزش عود – آموزش کمانچه – آموزش تار – آموزش نی – آموزش درام – آموزش پرکاشن – آموزشگاه موسیقی اندزگو – استاد آواز علی زند وکیلی – نوای دیجریدوی چند هزار ساله

آموزشگاه موسیقی آوای پارسی,آموزش ویولن,آموزش ویولنسل,آموزشگاه موسیقی,اساتید,بهترین آموزشگاه موسیقی,تدریس گیتارالکتریک,راک,موسیقی ایرانی,سبک راک,علی زند وکیلی,کنسرت علی زندوکیلی,موسیقی راک,موسیقی سنتی,آموزشگاه موسیقی,آموزشگاه موسیقی – نوای دیجریدوی چند هزار ساله

با اجرای ۲۲ قطعه و با صحنه آرایی زیبا
نور بازی «پازل بند» در برج میلاد
آموزشگاه موسیقی

کنسرت گروه «پازل‌بند» با اجرای ۲۲ قطعه و با طراحی نور و صحنه‌ی خاص در برج میلاد برگزار شد.

شب گذشته دوشنبه 10 دی 1397 مرکز همایش‌های برج میلاد تهران میزبان کنسرت گروه «پازل‌بند» بود؛

اجرایی که در دوسانس و با استقبال هواداران این گروه برگزار شد. در این کنسرت از همان ابتدا دکورِ

جالب و نورپردازیِ جذابی که از سوی تیم فنی برای این اجرا طراحی شده بود؛ جلب توجه می‌کرد.

این کنسرت جلوه‌های ویژه تصویری و نور پردازی و ویژوال افکت‌های خاصی داشت که قابلیت تغییر

در زمان‌های مختلف را با توجه به سازه‌های روی صحنه ایجاد می‌کرد.

فضای صحنه در هر قطعه با توجه به فضا و محتوای اثر، تغییر و تصایر و شکل‌هایی دیدنی را ایجاد می‌کرد.

اجرا با میکسی از برخی قطعات معروف «پازل بند» آغاز شد و آرام آرام نوازندگان ارکستر روی صحنه حاضر شدند.

«دلارام»، «دلداده»، «معشوق»، «کار دادی دستم» و «صاف و ساده» آثاری بودند که در ابتدای این

کنسرت اجرا شدند. قطعه‌ی «هستی» را نه فقط خوانندگانِ «پازل» که تقریبا همه‌ی سالن با هم

خواندند. «به سرم زده» با نورپردازیِ آبی‌رنگی، مخاطبان را برای دقایقی به آرامش دعوت کرد.

«مغرور و عاشق»، «جاده»، «یکی تو قلبمه»، «به شرطی که»، «داستان»، «دمتم گرم»، «یه صدا»،

«محشر»، «چشمات آسمونه»، «نگم برات» و «بی تاب» قطعه‌هایی بودند که در ادامه‌ی کنسرت

اجرا شدند. همچنین «اخرش رسید»، «گریه چیه» و «خاطره بچگی» از آثار جدیدی بود که پازل‌بند در

کنسرتش برای نخستین بار آنها را اجرا کرد.

همچنین نوازندگان سازهای ویلنس و ساکسیفون به عنوان نوازنده مهمان در اجرای شب گذشته حضور

داشتند. گروه «پازل» به خوانندگی علی رهبری در هر سانس 22 قطعه برای مخاطبانش اجرا کرد که

در نوع خودش کم‌نظیر است.

همچنین قطعه‌ی «مغرور عاشق» با درخواست مخاطبان برای دومین بار و به عنوان آخرین قطعه‌ی

کنسرت اجرا شد.

تنظیم قطعه‌های این کنسرت برعهده‌ی آرین بهاری بود. کنسرت «پازل بند» به همت موسسه «آوازی نو»

در مرکز همایش‌های برج میلاد تهران روی صحنه رفت.

سینا درخشنده، علی ضیا، الهام حمیدی و بهاره کیان افشار از مهمانان ویژه‌ی این برنامه بودند.


 آموزشگاه موسیقیبهترین آموزشگاه موسیقی  – آموزشگاه موسیقی سه راه اقدسیه و اندرزگو منطقه یک 1  – آموزشگاه موسیقی در شمال تهران – آموزشگاه موسیقی خیابان سه راه اقدسیه  – آموزش موسیقی کودک – آموزش موسیقی برای کودکان – کلاس موسیقی – آموزش گیتار – آموزش پیانو – آموزش ویولن – آموزش سه تار – آموزش سنتور – آموزش آواز – آموزش آواز سنتی – آموزش آواز ایرانی – آموزش سلفژ – آموزش صدا سازی – آموزش وزن خوانی – آموزش کاخن – آموزش تنبک – آموزش عود – آموزش کمانچه – آموزش تار – آموزش نی – آموزش درام – آموزش پرکاشن – آموزشگاه موسیقی اندزگو – استاد آواز علی زند وکیلی – اجرای ۲۲ قطعه پازل بند

آموزش آواز,آموزش آواز ایرانی,آموزش بربرط,آموزش پیانو,آموزش ساز,آموزش سازهای موسیقی,آموزش ساکسیفون,آموزش سنتور,آموزش عود,آموزش کلارینت,آموزش کیبورد,آموزش گیتار,آموزشگاه موسیقی,آموزشگاه موسیقی آوای پارسی – اجرای ۲۲ قطعه پازل بند