بایگانی برچسب برای: ثبت نام کلاس موسیقی کودک

آرپژ-در-موسیقی-چیست-؟

آرپژ در موسیقی چیست؟

 

🔴 آرپژ چیست؟

در موسیقی نوعی آکورد شکسته که در آن نغمات به‌صورت متوالی از بم به زیر یا از زیر به بم اجرا می‌شود را آرپژ (به

فرانسوی: arpège) یا چنگ‌سان می‌گویند.

👈 آرپژ به عبارتی نواختن تک به تک نت‌های یک آکورد به جای اجرای همزمان آن‌ها است. واژه فرانسوی آرپژ و ایتالیایی

آرپجیو هر دو به معنی «همانند ساز چنگ» هستند.

👈 صدای حاصل از آکوردی که به شیوۀ چنگسان نواخته می‌شود چنگسانه نامیده می‌شود.

👈 فن آرپژ در نوازندگی سازهای پیانو، چنگ و گیتار بسیار کاربرد دارد.

✔️ نکته مهم آرپژ این است که هر انگشت دارای استقلال و شخصیت خاص خود است. اغلب هر انگشت وظیفه ضربه

زدن به یک سیم مشخص را برعهده دارد.

✔️ در نواختن قطعات سرعتی آرپژها نباید مبهم و درهم گوش برسد، بلکه باید تک تک نتها با فاصله زمانی منظم و به

وضوح شنیده شود.

آرپژ-در-موسیقی-چیست-؟


 آموزشگاه موسیقی – بهترین آموزشگاه موسیقی  – آموزشگاه موسیقی سه راه اقدسیه و اندرزگو منطقه یک 1  – آموزشگاه موسیقی در شمال تهران – آموزشگاه موسیقی ناردونه  خیابان سه راه اقدسیه  – آموزش موسیقی کودک – آموزش موسیقی برای کودکان – کلاس موسیقی – آموزش گیتار – آموزش پیانو – آموزش ویولن – آموزش سه تار – آموزش سنتور – آموزش آواز – آموزش آواز سنتی – آموزش آواز ایرانی – آموزش سلفژ – آموزش صدا سازی – آموزش وزن خوانی – آموزش کاخن – آموزش تنبک – آموزش عود – آموزش کمانچه – آموزش تار – آموزش نی – آموزش درام – آموزش پرکاشن – آموزشگاه موسیقی اندزگو – استاد آواز علی زند وکیلی – آموزش فلوت  – آموزش نی هفت  – ثبت نام کلاس موسیقی – آموزش قانون – آموزش تنبور – تمرین موسیقی آموزش قیچک آموزش ساکسیفون – آموزش گیتار الکتریک – آموزش درامز –  آموزش کمانچه – آموزش چنگ –   –آموزش نی آموزش عود – تاثیر موسیقی بر حافظه و آلزایمر – چگونه استرس از صحنه و اضطراب اجرا را از خود دور کنیم – تئوری موسیقی  – آموزش موسیقی کودک – آرپژ در موسیقی چیست ؟ –

معنی و مفهوم آکورد چیست

معنی و مفهوم و در کل آکورد چیست ؟ و انواع آکوردها 

آهنگسازی و تنظیم

آکوردها :

چند صدا را که در یک زمان با هم شنیده میشوند آکورد مینامند.

آکوردهای سه صدایی :

ساده ترین آکورد، آکورد سه صدایی میباشد که از یک نت به نام پایه و نت دیگری که نسبت به پایه فاصله ی سوم دارد که به نام سوم آکورد، و نتی که با

پایه فاصله ی پنجم دارد به نام پنجم آکورد، تشکیل شده است و بر روی هر یک از درجه های گام دیاتونیک میتوان با افزودن نتهای سوم و پنجم از همان

گام آکورد تشکیل داد.

نکته : نتهای فاصله ی سوم و پنجم هر آکورد باید تابع نتهای دیاتونیک گام باشد.

آکوردهای ساخته شده از نظر فاصله ی میان نتها به دو گروه کلی تقسیم میشوند :

1) آکوردهای مطبوع

2) آکوردهای نامطبوع

1) آکوردهای مطبوع :

در این گروه فاصله های پنجم همه درست هستند وآنها را آکوردهای

کامل میگویند که خود به دو دسته تقسیم میشوند :

الف) آنهایی که فاصله ی سومشان بزرگ است آکوردهای کامل بزرگ (ماژور)نامیده میشوند.

ب) آنهایی که فاصله ی سومشان کوچک است آکوردهای کامل کوچک(مینور)نامیده میشوند.

2) آکوردهای نامطبوع :

در این آکوردها فاصله ی پنجم درست نیست و این آکوردها نیز به دو گروه تقسیم میشوند.

الف) فاصله ی پنجمشان کاسته است(آکوردهای کاسته)

ب) فاصله ی پنجمشان افزوده است(آکوردهای افزوده)

نکته : (مرور )

بنابرابن همه ی آکوردهای ساخته شده بر روی یک گام بزرگ و یا گام کوچک چهار گونه هستند :

1- آکوردهای کامل بزرگ :

روی درجه های 1، 4، 5،گام بزرگ و5، 6،گام کوچک بوجود می آیند.

2- آکوردهای کامل کوچک :

روی درجه های 2، 3، 6 گام بزرگ و 1، 4 گام کوچک بوجود می آیند.

3- آکوردهای پنجم کاسته :

روی درجه های 7 گام بزرگ و 2، 7 گام کوچک بوجود می آیند.

4- آکوردهای پنجم افزوده :

روی درجه 3 گام کوچک بوجود می آید.

معنی-و-مفهوم-آکورد-چیست-؟-انواع-آکوردها

معنی و مفهوم آکورد چیست


 آموزشگاه موسیقی – بهترین آموزشگاه موسیقی  – آموزشگاه موسیقی سه راه اقدسیه و اندرزگو منطقه یک 1  – آموزشگاه موسیقی در شمال تهران – آموزشگاه موسیقی ناردونه  خیابان سه راه اقدسیه  – آموزش موسیقی کودک – آموزش موسیقی برای کودکان – کلاس موسیقی – آموزش گیتار – آموزش پیانو – آموزش ویولن – آموزش سه تار – آموزش سنتور – آموزش آواز – آموزش آواز سنتی – آموزش آواز ایرانی – آموزش سلفژ – آموزش صدا سازی – آموزش وزن خوانی – آموزش کاخن – آموزش تنبک – آموزش عود – آموزش کمانچه – آموزش تار – آموزش نی – آموزش درام – آموزش پرکاشن – آموزشگاه موسیقی اندزگو – استاد آواز علی زند وکیلی – آموزش فلوت  – آموزش نی هفت  – ثبت نام کلاس موسیقی – آموزش قانون – آموزش تنبور – تمرین موسیقی آموزش قیچک آموزش ساکسیفون – آموزش گیتار الکتریک – آموزش درامز –  آموزش کمانچه – آموزش چنگ –   –آموزش نی آموزش عود – تاثیر موسیقی بر حافظه و آلزایمر – چگونه استرس از صحنه و اضطراب اجرا را از خود دور کنیم – تئوری موسیقی  – آموزش موسیقی کودک

روش-های-جذب-کودک-به-موسیقی

‍‍ روش های جذب کودک به موسیقی

روش های جذب کودک به تمرینات روزانه ساز

 

(والدین و مربیان موسیقی )

 

 

نوشین معتمدی:

تشویق کودک به تمرین ممکن است کاری سخت باشد ولی می توان آن را جذاب ساخت.برای جذب کودک به تمرین ذهن خلاق نیاز است.

روش های متنوعی برای تمرین به شما داده می شود که با بکارگیری این روش ها می توانید برای دفعه بعد که زمان تمرین کودکتان رسید با گفتن :

وقت تمرینه ! کودک شما با علاقه و بدون بحث شروع به تمرین کند.

هرگاه زمان تمرین فرا رسید یک شمع وارمر روشن کنید و هر وقت تمرینش تمام شد شمع را خاموش کند.

زمانی که شمع تمام شد و کامل سوخت می توانید پاداشی برای کودک درنظر بگیرید.

به طور مثال پارک رفتن یا سینما یا کنسرت.

بچه ها دوست دارند آب شدن شمع را ببینند و بدانند چقدر تمرین کرده اند.

هر چقدر کودک تمریناتش بیشتر شد شمع بزرگتری برایش بگذارید.

اعتماد به نفس را تقویت کنید

وقتی کودک شما در حال نواختن تمرین یا قطعه ای مشکل است، یک مهره را به عنوان نماد انتخاب کند که یادآور آن قطعه یا تمرین باشد.

کودکتان می تواند گردنبند یا دست بند مخصوص موسیقی را بسازد.

هر مهره برای کودک یادآور یک کدام تمرین است.

مهره ها نشان دهنده تمرینات جزء به جزء قطعه هستند و گردنبند نشان دهنده کل قطعه. و همین احساس قدرت به کودک شما می دهد.

برچسب های تمرین

هر گاه کودک به کلاس ساز رفت از معلمش بخواهید که برای تمرین آن درس برچسب مشخص کند.

(دقت کنید بکارگیری این روش با فاصله زمانی باشد که جذابیتش برای کودک از بین نرود )

هرگاه کودک قطعه را تمرین کرد یک برچسب کنار درس بگذارد.

اگر تعداد تمرینات زیاد است دقت کنید که برچسب کافی برای یک هفته به کودک بدهید که در پایان هفته برگه ی برچسب هایش تمام شده باشد.

شما با این کار به کودکتان مسوولیت پذیری را می آموزید.

شکلات های تشویقی موسیقی :

این ایده در کلاس یا منزل امکان استفاده دارد.

یک قطعه کوچک موسیقی ویا یک خط از آهنگی که باید تمرین کند را انتخاب کنید و آن را به عنوان قطعه شکلاتی یا موسیقی شکلاتی مشخص کنید.

هر بار که آن قسمت شکلاتی را نواخت یک شکلات را روی پایه نتش بگذارید.

با این کار کودک تشویق می شود آن قسمت را چندین بار بنوازد.این ایده جالب نتیجه بخش است و در سنین پایین جواب می دهد.

پخت مافین با کمک موسیقی و کودک:

شما می توانید این کار را با پخت شیرینی یا حتی غذاهایی که ساده هستند انجام دهید و به کودک بگویید با نواختن

هر قسمت از تمرین یا جمله ی موسیقی می تواند یک مرحله از پخت را انجام دهد.

روش دیگر این است که در هر ظرفی که مخصوص اضافه کردن مواد می باشد برگه ای بگدارید مثلا ظرف شکر با

نواختن قسمتی از قطعه داخل آرد برگردانده می شود.

یا ظرف شیر برگه ی مخصوص تمرین گام باشد….

روش های مختلف تقسیم بندی وزمان بندی تمرینات:

1.نواختن آهسته گام

/2.نام بردن قسمت های مختلف ویلن

/3.نواختن قطعه برای پدر

/4.نواختن کل قطعه بدون استفاده از آرشه

/5.نواختن تمرین دوبار

بدون مکث

/6.خواندن قطعه بدون نواختن ساز

/7.مشخص کردن قسمت سخت قطعه و 5 بار نواختن آن قسمت

/8.یک تمرین قدیمی را انتخاب کنید و اسم نت های آن را بنویسید.

می توانید قسمت نت هایی که مشکل است را با ماژیک یا رنگ مشخص دایره بکشید و یا یک با قرار دادن یک عروسک

کوچک بعد از نواختن هر نت سخت عروسک ها یا ماشین های کودک را یکی یکی به تماشای نواختن قطعه کودک بیاورید.

کودکان مدام در حال آموختن هستند اما تمرین و تکرار است که مطالب را برایشان نهادینه می کند .

تشویق و جلب کودک به تمرین نیاز به ذهن خلاق دارد و باید کودک را هر بار با روشی متنوع به سمت تمرین ساز برد.

روش هایی که برای کودک هیجان داشته باشد و کودک نتیجه کارش را به صورت عملی ببیند.

‍ روش های جذب کودک به موسیقی


#آهنگسازی #آهنگسازی_حرفه_ای #آهنگسازی_تنظیم – تمرین افزایش حجم صدا آموزش آواز –  آموزشگاه موسیقي – بهترین آموزشگاه موسیقی  – آموزشگاه موسیقی سه راه اقدسیه و اندرزگو منطقه یک 1  – آموزشگاه موسیقی در شمال تهران – آموزشگاه موسیقی ناردونه  خیابان سه راه اقدسیه  – آموزش موسیقی کودک – آموزش موسیقی برای کودکان – کلاس موسیقی – آموزش گیتار – آموزش پیانو – آموزش ویولن – آموزش سه تار – آموزش سنتور – آموزش آواز – آموزش آواز سنتی – آموزش آواز ایرانی – آموزش سلفژ – آموزش صدا سازی – آموزش وزن خوانی – آموزش کاخن – آموزش تنبک – آموزش عود – آموزش کمانچه – آموزش تار – آموزش نی – آموزش درام – آموزش پرکاشن – آموزشگاه موسیقی اندزگو – استاد آواز علی زند وکیلی – آموزش فلوت  – آموزش نی هفت  – ثبت نام کلاس موسیقی – آموزش قانون – آموزش تنبور – تمرین موسیقی آموزش قیچک آموزش ساکسیفون – آموزش گیتار الکتریک – آموزش درامز –  آموزش کمانچه – آموزش چنگ –   –آموزش نی  – آموزش عود – ‍ روش های جذب کودک به موسیقی

تاثیر-موسیقی-بر-حافظه-و-آلزایمر

معرفی و آشنایی ساز پیانو

1- fazioli :

این پیانو خوب معروفترین پیانو دنیا میباشد و به کشور ایتالیا تعلق دارد تولیدات این شرکت صرفا” پیانوهای گرند میباشدو برخی از پیانو های گرند این شرکت دارای 4 پدال میباشد کیفیت این پیانو مانند قیمت آن بسیار زیاد است ودر ایران موجود می باشد.

2- Yamaha:

این برند متعلق به کشور ژاپن است ولی اکثر مدلهای آن در کشور اندونزی ساخته می شود .

متأسفانه در پیانوهای ساخت اندونزی این برند از قطعات پلاستیکی در اکشن استفاده شده است که تأثیر بدی در صدای ساز وارد و همچنین در دراز مدت باعث آسیب رساندن به چکشهای پیانو میشود ولی پیانوهای ساخت ژاپن این برند از کیفیت قابل قبولی برخوردار هستند .

3- SCHONBRUNN :

پیانو شونبرون این برند متعلق به کشور آلمان است و در شهر Eisenberg ازسال 1877 مشغول به فعالیت میباشد .

از لحاظ طراحی ، Touch پیانو و یکدستی صدا در اکتاوهای مختلف استاندارد میباشد بخصوص از پیانوهای گرند این برند صدایی فوق العاده خوب بگوش می رسد و نگهداری کوک این پیانوها بسیار زیاد میباشد.

قیمت این پیانوها نسبت به کیفیتشان بسیار مناسب است

4- Kawai:

این برند متعلق به کشور ژاپن میباشد ، بیشتر مدلهای این برند در چین ساخته میشود.

این برند هم مانند یاماها از قطعات پلاستیکی در اکشن استفاده میکند ولی بدلیل قیمت ارزان آن دربرخی از کشورها جزء پیانوهای پر فروش بشمار میرود .

آموزشگاه موسیقی

معرفی و آشنایی ساز پیانو

5- Waldstein :

این پیانو درایران ساخته میشود یعنی اکشن و قطعات از چین وارد شده و درایران بدنه میشود که بدلیل عدم کنترل کیفی کارخانه نگهداری کوک این پیانو بسیار ضعیف است و از لحاظ Toch و صدا دهی فاقد استانداردهای لازم میباشد

6- Mendelssohn :

پیانو مندلسون این برند متعلق به کشور آلمان میباشد و دارای دو کارخانه یکی در Boizenburg آلمان و دیگری در Shanghai میباشد نگهداری کوک این پیانو بسیار خوب میباشد همچنین از قطعات بسیار مرغوب دراین پیانوها استفاده میشود .

بعنوان مثال Sound board,RIbs این پیانو متعلق به کارخانه STRUNZ آلمان ، چکشها FFW آلمان ،Pinblock متعلق به Dehonit آلمان ، سیم متعلق به کارخانه ROSLAU آلمان و کیبوردهای این پیانو به کارخانه HAINSWORTH انگلستان تعلق دارد .

قیمت این پیانو به نسبت قطعات بکار رفته در آن بسیار مناسب است همچنین طراحی درب بالای این پیانو که به سبک پیانوهای گرند است بسیار زیباست.

7- Schulze Pollmann :

شولز پلمن ، این برند ایتالیایی جزء معروفترین پیانوهای دنیا میباشد، پیانوهای این برند کاملا”دست ساز بوده و از آن در سال فقط 300 عدد پیانوی دیواری و 50 عدد پیانوی گرند تولید میشود .

صدای این پیانو کاملا” مسحور کننده میباشد و ظاهر آن بقدری زیباست که زیباترین پیانوی جهان شناخته میشود.

کارخانه فراری به کارخانه شولز پلمن سفارش تولید پیانویی با رنگ قرمز فراری داده است که این پیانو ساخته شده و در تمام نمایندگی های فراری در سراسر جهان وجود دارد این برند در رنکینگ های معتبر پیانو در گرید A قرار دارد.

8- Pearl River :

این برند متعلق به کشور چین است این نام یک رودخانه در شهر گوانجو چین می باشد به معنای رودخانه مروارید.

تولیدات این شرکت بسیار ارزان قیمت میبشد ولی ازآنجا که پیانو دستگاهی پیچیده میباشد و از هزاران قطعه تشکیل شده است برندهای ذاتا” چینی مورد اطمینان نمی باشند.

اکثر Sound board های این پیانو لمینیت میباشد .

9-ّ Schumann :

با توجه به اسم آلمانی آن این برند کاملا” چینی میباشد و صدای آن کاملا” تیز و متال میباشد و از کیفیت قابل قبولی برخوردار نیست .

وارد کننده این پیانو شرکت مهرآهنگ زرتشت میباشد.

بهترین آموزشگاه موسیقی

10- Weber :

این برند متعلق به کشور کره میباشد که اکثر مدلهای آن درچین تولید میشوند این پیانوها کیفیت صدای خوبی ندارند و سیستم درب هیدرولیک آنها بدلیل لولایی بودن زود خراب میشود Sound board این پیانوها لمینیت میباشد.

در مقایسه با برندهای دیگرشانس بسیار کمتری را برای فروش دارند.

نمایندگی این برند فروشگاه اصفهانی در خیابان لارستان میباشد.

11- Gorge Steck :

متعلق به کارخانه Sejung میباشد و در چین ساخته میشود ولی مانند فالکون به شکل اجزاء و قطعات وارد نمی شود.

نمایندگی این برند در خیابان لارستان میباشد.

12- Sandner :

این پیانودر کشورچین تولید میشود و Sound board آن لمینیت میباشد و سیستم درب هیدرولیک آنها زود خراب میشود.

نمایندگی این برند در خیابان بهار برج بهار میباشد.

13- Oto Meister :

این پیانو از دسته پیانوهای ذاتا” چینی می باشد.

گوشی های کوک این پیانو بدلیل ارزان بودن بسیار نازک هستند.

این پیانوفاقد صدای خوب میباشد و کیفیت آن در مقایسه با Sandner و پرل ریور پایین تر است.

این پیانو اخیرا” در خیابان لارستان بفروش میرسد.

14- Toyo :

این پیانو 100% در چین ساخته می شود و قطعات آن نیز به هیچ برند معتبری تعلق ندارد.

نمایندگی این برند بازرگانی واقف در خیابان لارستان میباشد.

15- Samick :

این پیانو متعلق به کشور کره می باشد ولی بیشتر مدلهای آن در چین ساخته می شود .

کیفیت این پیانو در سالهای اخیر بسیار پایین آمده است و از قیمت بالایی نسبت به کیفیت آن برخوردار است .

نمایندگی این پیانو در خیابان شریعتی زیر پل صدر میباشد.

معرفی-پیانو-خوب-در-ایران

معرفی و آشنایی ساز پیانو


آموزشگاه-موسیقی-شمال-تهران-ناردونه-guitar-آموزش-گیتار
آموزشگاه-موسیقی-شمال-تهران-ناردونه-daf-آموزش-دف
مواردی در تدریس و نوازندگی پیانو

نکاتی در تدریس و نوازندگی پیانو

مواردی در تدریس و نوازندگی پیانو

بر کسی پوشیده نیست که نوازندگی پیانو نیز مانند تمامی مهارتهای فیزیکی هنری و حتی غیر هنری چنانچه علاوه بر تمرین و ممارست با مطالعه تجارب دیگران، روشها و مفاهیم بنیادی توام باشد،
در نهایت نتیجه بهتری را عاید هنرجو خواهد کرد.
به همین علت نوازندگان باید ایده های کهنه ای مانند تمرین های مدام و مکانیکی صرف را کنار گذاشته و به نوازندگی بصورت علمی تر و هنری تر نگاه کنند و آنرا صرفا یک مهارت فیزیکی نپندارند.

مجموعه راهنمایی های زیر از جمله مواردی است که رعایت و مد نظر قرار دادن آنها می تواند شما را در گرفتن نتیجه بهتر از زمانی که صرف تمرین می کنید، یاری دهد.
توجه داشته باشید که بسیاری از موارد مطرح شده می تواند برای نوازندگان سایر سازها نیز مفید باشد.

آموزش نوازندگی پیانو

مواردی در تدریس و نوازندگی پیانو

۱ – زمانی که پس از یک وقفه طولانی مجدداً تصمیم دارید به دنیای نوازندگی پیانو بازگردید،
اجرای آهسته قطعات واقعی موسیقی برای شروع، بهتر از تمرین کردن و اجرای اتودهای تکنیکی است.
زیرا نواختن یک قطعه موسیقی به سبب فرازو نشیب های طبیعی که دارد
ماهیچه ها را وادار می کند تا بصورت روان و طبیعی در طول اجرای قطعه فعال شوند
برخلاف اجرای تمرین های تکنیکی که بصورت موضعی روی قسمتهای خاصی از بازو، مچ دست یا انگشتان کار می کنند.

۲ – عدم تمرکز و نداشتن اطمینان از اجرای قطعات را جدی بگیرید.
تنها با برطرف کردن آنهاست که قادرید خلاقیت و ابتکار خود در نوازندگی را پرورش داده آنرا به نمایش در آورید.
یک نوازنده تا زمانی که به توانایی اش اطمینان کامل نداشته باشد، انعطاف پذیری لازم را هنگام اجرا ندارد
و علاوه بر استرس هنگام اجرا به مرور زمان دچار ملال زدگی می گردد.

۳ – مانند یک خواننده که روزانه طنین صدا و قدرت ماهیچه هایش را تمرین داده و آزمایش می کند،
هر روز صدای متمایز و مختص همان روز را در ساز خود خلق و احساس کنید،
بدین ترتیب هماهنگی لازم بین اندیشه و احساس در اجرای یک آهنگ میسر می شود.

۴ – به خاطر داشته باشید که دستیابی به یک تکنیک قابل اطمینان در پاسخ “نیاز به شنیدن صدایی بی عیب و نقص” امکان می یابد،
درست مانند اینکه برای راه رفتن درست مجبورید از نقطه A به نقطه B قدم بردارید.

به عنوان یک مثال مشخص زمانی که سعی در تمرین استفاده مجدد از پدال به هنگام تغییر هارمونی را می کنید،
لازم است ابتدا نت ها، سپس هارمونی را تجربه کنید.
در مرحله بعد نیاز به غنی تر کردن صدا و بالا بردن damper ها و در نتیجه افزودن طنین و غنی کردن هارمونی را دارید.
پس از آن لازم است هر دو نت را با هم در یک پدال گوش دهید،
نهایتا مایل به شنیدن نت اول، توقف آن و نت دوم در ادامه هستید.
این کار و تولید چنین صدایی مطلقاً با شمارش و بالا پایین کردن پدال میسر نیست،
زیرا بر طبق یک نیاز و برای رسیدن به یک هدف خاص برنامه ریزی نشده است.

آموزش پیانو

۵ – سعی کنید در ابتدا قدرت تخیل، اندیشه و تصور خود را تقویت کنید،
پس از آن به توانایی فیزیکی ماهیچه ها و انگشتان خود توجه کنید.
با این روش قادر خواهید بود ایده و اندیشه را با مهارت فیزیکی همراه کنید و آوای مورد نظر را خلق نمائید.
این همراهی تنها با تلاش مستمر و تخیل مداوم آهنگ مورد نظر، سعی در خلق و پیاده سازی آن چه در ذهنتان است
و همچنین در نظر گرفتن احساس مربوطه، امکان پذیر است.

همانطور که بسیاری از بزرگان و نوابغ موسیقی “احساس کردن موسیقی”
و “گوش دادن با تک تک عضلات بدن” را به عنوان یک اصل مهم در نظر دارند.

معمولا هنرآموزان این موضوع را درک نمی کنند که طی کردن این مراحل، روش دستیابی به یک تکنیک فوق العاده است
و به اشتباه این تصور را دنبال می کنند که تمرینهای سریع بدون وقفه و فکر به حرکات سریع و نمایشی انگشتان نتیجه بهتری دارد
تا تمرینهای آرام و پیوسته همراه با تفکر و تعمق.

در حقیقت باید سعی کنید تا یک بار در مقام نوازنده موفق به برقراری ارتباط لازم بین تفکر و انگشتانتان شوید
و از آن پس تنها به موسیقی فکر کنید.
در آنصورت خواهید دید که به چه سادگی در موقع لزوم از پس هر سرعت اجرایی که لازم باشد بر خواهید آمد.

۶ – رسیدن به نقطه کمال در نوازندگی یا موسیقی، یک هدف واحد است که کلیه نوازندگان از ابتدا باید به آن توجه کنند.
هنرآموز باید به طور مداوم در شرایطی قرار گیرد که مجبور به تصمیم گیری باشد
و از این طریق اعتماد به نفس لازم را در خود پرورش داده به توانایی خود در حل مشکلات ایمان پیدا کند.

به طور کلی بهتر است اساتید تا حد ممکن دست شاگردان را در انتخاب باز بگذارند
و آنها را به تعمق هر چه بیشتر و مسئولیت پذیری در مقابل غایت مطلوب آهنگساز تشویق نمایند.

این طرز تفکر که “من به عنوان نوازنده مهم هستم و افکار آهنگساز برایم چندان اهمیتی ندارد”
از خطرناک ترین خصیصه های یک نوازنده است.
در عین حال نکته مهمی که لازم است اساتید در کنار موارد فوق مد نظر داشته باشند این است که همواره برای تصمیم گیری شخصی هنرآموزان نیز ارزش قائل شوند.

۷ – موسیقی مفهومی فراتر از نت های ساده و خالص دارد.
نوازندگان باید این غنا را در نگرش موسیقیایی خود بپذیرد.
این کار با مطالعه دانش موسیقی، تاریخ و گوش دادن به قطعات موسیقی امکان پذیر است.

۸ – با چهار انگشت تمرین کنید و ببینید آیا انگشت آزاد شما در هنگام نواختن آرام و راحت باقی می ماند یا خیر ؟

۹ – به عضلات دست امکان نفس کشیدن بدهید،
برای سالم ماندن ماهیچه ها و عضلات در هنگام نواختن، سیکل های فشار و استراحت برای انگشتان در نظر بگیرید.

۱۰ – رابطه بین صدا و حرکت انگشتان را مد نظر داشته باشید.
این کار یک مسیر ارتباطی بین نگرش ذهنی و حرکت فیزیکی خلق می کند.

۱۱ – منحنی های موزون را در ساخت یک قطعه پیدا کرده و مورد استفاده قرار دهید،
درست مانند ساختن پلی که هر جزء آن شکل متفاوتی دارد.
بنابراین تمام اجزاء به یکدیگر وابسته می شوند و هر یک نقشی حیاتی در نگهداری پل برعهده دارند.
برخلاف دیواری که کلیه آجرهای آن یک اندازه و یک شکل هستند!

۱۲ – نوازندگی آرام را تمرین کنید و به حالت شناور انگشتان خود را بر روی کلیدها حرکت دهید.

۱۳ – بهره گیری از پدال را با تمرین های زیاد فرا بگیرید از قطع کردن ناگهانی یک آکورد گرفته تا از بین بردن شدت صوت بصورت تدریجی.

۱۴ – توانایی دست چپ خود را تقویت نمایید و به همراهی آن معنا بخشید،
در عین حال توجه داشته باشید که هر کدام از دستهای شما مسئولیت خاصی در اجرا دارند
در اغلب موارد نباید سعی کنید مهارت هر دو را به یک اندازه برسانید.

۱۵ – مهارت دست چپ خود را بیشتر به سمت همراهی ببرید تا اجرای ملودی.

۱۶ – به حرکات موزون – رقص – انگشتان خود دقت کنید.
زمانی این حرکات درست هستند که نوانس ها، جمله بندی و آرتیکولیشن (articulation) درست اجرا شود.

۱۷ – نوازندگی را با هدف اجرای زیبای جملات و قطعات تمرین کنید نه سرعت و تکنیک.
این روش خودبخود مشکلات تکنیکی را برطرف کرده و احتمال آسیب دیدگی ماهیچه های شما را کاهش می دهد.

۱۸ – آموزش و تمرین شنیداری باید جزء اصلی هر جلسه تدریس یا تمرین باشد.

۱۹ – هنگام اجرای قطعه بدون در نظر گرفتن وجود ساز، قطعه موسیقی راهدایت کنید به آن فکر کنید و هرگز خواندن با آنرا فراموش نکنید.

۲۰ – حتی هنگامی که یک قطعه کلاسیک را اجرا می کنید به هارمونی آن توجه کنید
و آنرا بدون توجه به قطعه با رنگهایی که خودتان به آن اضافه می کنید تمرین کنید.
به این ترتیب با فضای قطعه بدون درگیری با ملودی های – احیاناً پیچیده آن – آشنا می شوید.

۲۱ – مانند عملکرد ریشه گیاهان که راه خود را برای رسیدن به آب می یابند،
انگشتان دست نوازنده نیز باید به دنبال نت ها حرکت نمایند.
باید از نحوه دنبال کردن نتهای موسیقی توسط انگشتان لذت ببرید.

۲۲ – سعی کنید ملودیها و قطعات را در ذهن خود در کلید های دیگر انتقال داده و به لحظه اجرا کنید.
اینکار مهارت دشیفر شما را افزایش می دهد.

۲۳ – تحلیل های Schenker-style را به منظور قدردانی از استعداد خارق العاده و خلاقیت های آهنگساز به کار گیرید.

مواردی در تدریس و نوازندگی پیانو

مواردی در تدریس و نوازندگی پیانو

چرا خرک های سنتور از 12 به 9 رسید

چرا تعداد خرک های سنتور از 12 به 9 تغییر کرد ؟

علت تغییر خرک های سنتور از 12 به 9

اکثر ساز هایی که به ایران آورده می شد 12 خرک بود و پس از گذشت زمان نیاز به تعمیر داشت و کم کم کوچکتر می شود و مجبور بودند 11 خرک بر روی صفحه قرار دهند و گاه به 10 یا 9 خرک هم می رسید.

اما اصولا ابعاد و تعداد خرک ها در سنتور علمی نبود و با مقدار تحمل کششی سیم های فلزی مطابقت نداشت.

امروزه هم هنوز قادر به استفاده از سیم فلزی داخلی برای سنتور نیستیم و سیم ساز، در ایران تولید نمی شود و از سیم های وارداتی استفاده می کنیم.

سیم هایی که عمدتا ضخامت 0.40 میلیمتر دارند یا سنتورهایی به سبک ورزنده یا قدیمی تر که ضخامت 0.45 داشته اند.

ایجاد صدای خوب و مطلوب شرقی، در سنتور های 12 خرک هم کار مشکلی بود؛ تا جایی که کم کم 10 و 9 خرک عمومیت پیدا کرد.

البته اساتیدی چون استاد شجریان بر روی 10 خرک تاکید دارند.

از ابتکاراتی که انجام دادید ، بگویید.

یکی از مشکلاتی که همیشه با آن روبرو بودیم باز شدن چسب سنتور در مناطق مرطوب و اقلیم های مختلف بود.

قبلا برای ساختن سنتور از سریشوم های حیوانی استفاده می شد که البته بدترین چسب دنیا محسوب می شود.

مشکلات سریشوم حیوانی این است که موریانه آن را می خورد و رطوبت بر آن تاثیر می گذارد و حرارت بیش از حد موجب باز شدن آن می شود.

من از چسب های رزین دار مثل رزین فرمالدئید استفاده می کنم و آن را در دمای 180 درجه سانتیگراد و فشار 5 الی 15 تن می چسبانم.

از دیگر مشکلات ساز های قدیمی سیستم پل گذاری آن بوده است و دیگری اندازه غیر علمی آن است.

از آن جا که سیم استاندارد سازهای ایرانی نداریم و از سیم های وارداتی استفاده می کنیم اساسا این سیم ها تا حد 10 سانتی متر کوچکتر از اندازه علمی روی ساز قرار می گیرند و مرتبا کوک خالی می کنند.

سیم 0.40 بسیار حساس است و در سازهای بزرگ مقاومت کششی لازم را ندارد.

کوچک کردن ساز تا حد ممکن باعث می شود تا کوک ساز بهتر بماند و دوام سنتور بیشتر شود.

چرا خرک های سنتور از 12 به 9 رسید

من ابعاد سنتورهای ناظمی را که 36×27×90 بوده است به 35×28×92 تغییر داده ام و دوام و صدای بهتری را از ساز گرفته ام.

تا جایی که ساز های من در طول سال، بیش از 3 الی 4 بار نیاز به کوک کردن ندارند.

اخیرا هم تلاشم بر این بوده تا به جای سیم های قرمز از سیم های فولادی سفید استفاده کنم.

از دیگر ابداعاتم سنتورهای دو طرفه است که در دو طرف ساز سیم و خرک وجود دارد و یک سمت را می توان یک کوک کرد و سمت دیگر را کوک دیگر.

و کل ساز بر روی پایه ای چوبی قرار می گیرد و میله ای که در عرض ساز قرار دارد آن را به پایه متصل می کند.

با باز کردن پیچ میله می توان سوی ساز را برگرداند و از طرف دیگر آن استفاده کرد.

سنتور های بیسکویتی هم از دیگر ساخته های من است که در آن ضخامت ساز کاهش می یابد و با تغییراتی که داده ام طنین صدا زیبا تر و ساز سبک تر شده است.

سنتور های کروماتیک هم از دیگر ابتکاراتم است که در آن علاوه بر خرک های موجود 9 خرک اضافه می شود و تا 15 خرک هم می توان آن را ارتقا داد.

بر روی سنتور کروماتیک نت هایی را داریم که بر روی سنتور معمولی نیست و می توان بر روی ساز بدون تغییر دادن کوک دستگاه های مختلف را نواخت.سنتور های فا کوک ، می کوک ، سنتور باس و تغییر در ابعاد آن ها از دیگر ابتکاراتم است.

سنتور باس سنتوری است که یک اکتاو از سنتور سل کوک بم تر است و می تواند 9 خرک داشته باشد و تقریبا ابعادی دو برابر سنتور سل کوک دارد و اخیرا با تغییر ضخامت ، آن را کوچک تر ساخته ام.سنتور های سبک ورزنده را احیا کرده ام و سنتور های 12 ، 11 ،10 و 9 خرک می سازم. لطفا در مورد شکل مضراب و تکامل فرم آن توضییح دهید.

مضراب در قدیم به شکل دو خنجر فلزی بوده است و رفته رفته بصورت دو چوب که شبیه خنجر است تبدیل شد.

مضراب در قرن اخیر با ابتکار ارامنه به شکل کلید سل شکسته در آمده است.

شکل و وزن مضراب به فیزیک دست نوازنده ها وابسته است.

اما اغلب مضراب ها از چوب گردو، ششماد، گلابی درست می شود و بهترین همان چوب گردو است. وزن آن معمولا در حدود 3 تا 3.5 گرم است و اگر وزن مضراب از 3.5 گرم بیشتر باشد امکان تقه کردن وجود دارد و اگر هم وزنش از 3 گرم کمتر باشد از حجم صدا کاسته می شود.

البته اخیرا تلاش کرده ام تا به جای چوب از مواد کربن دار جدید برای ساخت مضراب استفاده کنم، چرا که هم ارزان تر خواهد شد و استحکام بیشتری خواهد داشت و نمی شکند و خاصیتش شبیه به چوب است.

نوع چوب در ماهیت صدای ساز چه تاثیری دارد و ماهیت صدا در سنتور سازی چه جایگاهی دارد؟

از آن جا که ساز سازی در ایران آکادمیک نبوده است کمتر کسی پیدا می شود که ساز بسازد و با ماهیت صدا در آن هم آشنا باشد.

سازنده موفق کسی است که اهمیت صدای ساز را تشخیص بدهد و از تکنیک های خاصی بهره بگیرد.

اکثر سازنده ها درودگر بودند و البته نوازنده هایی هم پیدا می شدند که ساز هم بسازند.

من در حرفه ای که با آن سر وکار دارم تا به حال با در حدود 200 نوع ساز سر و کار داشته ام و به موضوع شناخت صدا در آن ها بسیار اهمیت داده ام.

شناخت ماهیت صدا از شناخت چوب جدا نیست.

شاید در درجه اول چوب مناسب، تاثیر به سزایی بر صدای ساز می گذارد و شناخت آن اهمیت زیادی دارد.

چوبی که در قدیم برای ساخت سنتور استفاده می شود و فروان بود عمدتا چوب راش بود اما چوب بلوط، افرا، لیلکی، سرخه دار، گلابی، گردو، آزاد پوست ماهی هم مورد استفاده قرار می گرفت.

اما امروزه بیشتر از چوب گردو استفاده می شود چون مقاومت لازم را دارد و مناسب تر است.

طی آزمایشی که انجام دادم فشاری که از ناحیه سیم ها و از طرفین به سنتور سل کوک وارد می شود حدود 1 تن است و چوب نرم و معمولی نمی تواند این مقدار فشار را دوام آورد.

در ایران بیش از 2500 نوع چوب گردو داریم که من در سازهایم بیشتر از چوب گردوهای مناطق کوهستانی با خاک سیاه ، استفاده می کنم. چرا که چوب گردو سفید در شمال ایران مورد حمله پروانه های چوب خوار یا همان پت ها قرار می گیرد اما چوب گردو سیاه بخاطر صمغ تلخی که دارد کمتر در معرض این خطر است و دوام بیشتری دارد.

نوع بافت چوب در صدای ساز تاثیر زیادی دارد.

هر چه بافت های چوب پیچیده تر باشند تلطیف صدای بهتری خواهیم داشت و در چوب هایی که بافت منظم دارند متاسفانه پدیده تشدید بوجود می آید و صدای ساز از حالت مطلوب خارج می شود.

چوب گردو های کوهستانی تویسرکان و خمسار و سنندج از بهترین چوب های موجود است. البته چوب افرای مخملی یا افرای مازندران هم برای ساخت سنتور مناسب است ولی مقاومتی چون گردو ندارد اما در عوض صدا را لطیف و مطلوب می کند.

ترکیب این دو یعنی گردو و افرا در ساخت ساز موجب تامین استحکام کافی و ایجاد صدای لطیف خواهد شد.

نوع چوب در ماهیت صدای ساز چه تاثیری دارد و ماهیت صدا در سنتور سازی چه جایگاهی دارد؟

از آن جا که ساز سازی در ایران آکادمیک نبوده است کمتر کسی پیدا می شود که ساز بسازد و با ماهیت صدا در آن هم آشنا باشد.

سازنده موفق کسی است که اهمیت صدای ساز را تشخیص بدهد و از تکنیک های خاصی بهره بگیرد.

اکثر سازنده ها درودگر بودند و البته نوازنده هایی هم پیدا می شدند که ساز هم بسازند.

من در حرفه ای که با آن سر وکار دارم تا به حال با در حدود 200 نوع ساز سر و کار داشته ام و به موضوع شناخت صدا در آن ها بسیار اهمیت داده ام.

شناخت ماهیت صدا از شناخت چوب جدا نیست.

شاید در درجه اول چوب مناسب، تاثیر به سزایی بر صدای ساز می گذارد و شناخت آن اهمیت زیادی دارد.

چوبی که در قدیم برای ساخت سنتور استفاده می شود و فروان بود عمدتا چوب راش بود اما چوب بلوط، افرا، لیلکی، سرخه دار، گلابی، گردو، آزاد پوست ماهی هم مورد استفاده قرار می گرفت.

اما امروزه بیشتر از چوب گردو استفاده می شود چون مقاومت لازم را دارد و مناسب تر است.

طی آزمایشی که انجام دادم فشاری که از ناحیه سیم ها و از طرفین به سنتور سل کوک وارد می شود حدود 1 تن است و چوب نرم و معمولی نمی تواند این مقدار فشار را دوام آورد.

در ایران بیش از 2500 نوع چوب گردو داریم که من در سازهایم بیشتر از چوب گردوهای مناطق کوهستانی با خاک سیاه ، استفاده می کنم.

چرا که چوب گردو سفید در شمال ایران مورد حمله پروانه های چوب خوار یا همان پت ها قرار می گیرد اما چوب گردو سیاه بخاطر صمغ تلخی که دارد کمتر در معرض این خطر است و دوام بیشتری دارد.

چرا خرک های سنتور از 12 به 9 رسید

هر چه بافت های چوب پیچیده تر باشند تلطیف صدای بهتری خواهیم داشت و در چوب هایی که بافت منظم دارند متاسفانه پدیده تشدید بوجود می آید و صدای ساز از حالت مطلوب خارج می شود.

چوب گردو های کوهستانی تویسرکان و خمسار و سنندج از بهترین چوب های موجود است.

البته چوب افرای مخملی یا افرای مازندران هم برای ساخت سنتور مناسب است ولی مقاومتی چون گردو ندارد اما در عوض صدا را لطیف و مطلوب می کند.

ترکیب این دو یعنی گردو و افرا در ساخت ساز موجب تامین استحکام کافی و ایجاد صدای لطیف خواهد شد.

عکس روبروی جناب آقای داریوش سالاری می باشد.

چرا خرک های سنتور از 12 به 9 رسید

روشهایی برای گیتار زدن افراد چپ دست

توصیه ها و نکات برای گیتار زدن افراد چپ دست

کلاس آموزشی و دوره های آموزش گیتار

چپ دست ها علی رقم اینکه یازده درصد مردم جهان را تشکیل میدهند اما هنوز در بسیاری از موارد با مشکل مواجه هستند.
یکی از این موارد گیتار زدن است.
هنرجویان چپ دستی که در آموزشگاه موسیقی گیتار شرکت می کنند اغلب با این مواجه هستند که گیتارها به طور کلی برای افراد راست دست ساخته شده اند.

هنگام گیتار زدن نوازنده فقط از یک دست استفاده نمی کند بلکه هر دو دست نقش متفاوتی دارند.
هنرجو با یک دست آکورد ها یا نت ها را روی فرت ها می گیرد و با دست دیگر با پیک یا انگشت به سیم ها ضربه می زند.

اساتید آموزشگاه موسیقی اغلب به افراد راست دست می گویند که باید تمرین کنند با دست چپ خود ساز را نگه دارند و بین دست های خود هماهنگی ایجاد کنند.

چپ دست ها همیشه در دنیایی از راست دست ها زندگی کرده اند و در موارد زیادی آموخته اند که چگونه با تلاش کارهایشان رابا دست راست انجام دهند .

ذهن افراد چپ دست به طور طبیعی تمایل دارد گیتار را در دست راست خود نگه دارد و با دست چپ به آن ضربه بزند.
مشکلی که در نوازندگی چپ دست ها وجود این است که با در دست گرفتن گیتار معمولی در دست چپ، سیم ها جا به جا می شوند
و سیم های باس در پایین قرار می گیرند.
بنابراین افراد مجبور هستند آکورد ها را به شکل بالا به پایین یاد بگیرند.

 

روش های توصیه شده در آموزشگاه موسیقی ناردونه

-تلاش کنید که مثل راست دست ها با دست راست گیتار یاد بگیرید.

– با جابه جا کردن سیم ها گیتار را با دست چپشان بزنید.

– تهیه گیتارمخصوص چپ دست ها​​​​​​ که البته متاسفانه این نوع سازها بسیار کمیاب و نسبت به نوع معمولی گران تر هستند.

گیتار زدن چپ دست ها با دست مخالف برای آنها ناراحت کننده و آزاردهنده است.
اگر شما تشخیص نمی دهید که شما یک نوازنده راست دست هستید یا نه ، درلحظه یک ساز فرضی را در ذهنتان تصور کنید.
اگر شما آن را در دست راست خود تصور کردید شما یک گیتاریست چپ دست هستید.

بسیاری از افراد توصیه می کنند که افراد چپ دست، با دست راست تمرین کنند در صورتی که این اصلا منطقی و عادلانه نیست چون ذهن افراد چپ دست جور دیگری است.

پل مک کارتنی تلاش کرد که با دست راست یاد بگیرد اما نا امید شد و در نهایت به یکی از معروف ترین گیتاریست های چپ دست تبدیل شد.
گیتاریست های چپ دست معروف دیگری نیز وجود دارند مثل آلبرت کینگ، جیمی هندریکس و …

یک حقیقت جالب این است که کورت کوبین گیتار را با دست چپ میزد اما او واقعا یک چپ دست نبود.
او برای طرفدارانش با دست راست امضا می کرد اما اینکه چرا گیتار را با دست چپ میزد نامشخص است.

به دلیل اینکه بسیاری از سازهای بازار مخصوص راست دست ها هستند، بسیاری از هنرجوبان چپ دست تلاش می کنند که مثل افراد معمولی یاد بگیرند.
گیتار زدن چپ دست ها با دست مخالف ممکن است روند یادگیری آنها را کند کند و آنها حتی در صورت یادگیری کامل احساس راحتی نداشته یاشند.
علی رغم اینکه این موضوع اصلا طبیعی و قابل درک نیست، اما بیشترین تصمیم گرفته شده توسط نوازندگان چپ دست همین است!

البته فرقی نمیکند شما راست دست باشید یا چپ دست به هرحال برای شروع آموزش باید پیش شرط های لازم برای شروع آموزش نواختن گیتار را بدانید.

روشهایی برای گیتار زدن افراد چپ دست