بایگانی برچسب برای: آموزشگاه موسیقی شرق تهران

ملودی های آهنگ

با سلام در این مقاله به برسی جامع ملودی های آهنگ | آموزشگاه موسیقی verse chorus می پردازیم.

یک اهنگ معمولا سه ملودی کوتاه دارد که دو تای ان بارها تکرار می شوند.

chorus این قسمت هماهنگ با کلمات  است و بدون تغییر یا با اندک تغییری در طول آهنگ بارها تکرار می شود.

معمولا این قسمت در بر گیرنده نام آهنگ و ایده و پیام عمومی آهنگ است.

این همان قسمتی است که شنوندگان از یک آهنگ به یاد می سپارند.

این بخش از آهنگ است که اغلب به ذهن شنونده می چسبد چون با محتوای بخش verse تضاد یا تقابل داشته،

و چندین بار تکرار می شود.

تم اصلی آهنگ در همین بخش قرار می گیرد.

و همچنین نام آهنگ اغلب در همین بخش قرار می گیرد.

chorus

قلب یک آهنگ است و اغلب در یک آهنگ دو یل سه بار تکرار می شود،

و مهمترین و عمومی ترین اطلاعات آهنگ و کلامی را به شنونده می دهد.

به همین دلیل ملودی نوشته شده برای این بخش باید انرژی و تاثیر گذاری بیشتری داشته باشد.

ملودی این بخش باید طوری نوشته و تنظیم شود که شنونده از تکرار شدن آن ناراحت و خسته نشود،

بلکه برای شنیدن تکرارهای این بخش شوق و اشتیاق فراوان داشته باشد.

از نظر کلامی محتوای این بخش نسبت به بخش verse  کلی تر و عمومی تر است.

اطلاعات جزئی تر را در بخش های verse  به شنوده ارائه می دهید.

بهتر است کلام نوشته شده برای این بخش سیلابسهای کوتاهتر و آهنگین و موزون داشته باشد.

از نظر موسیقی بخش chorus باید صدای پر تر و پر قدرت تر نسبت به سایر بخش ها داشته باشد.

ملودی این بخش باید تاثیر گذار و به یاد ماندنی نوشته شود.

نت های بیگانه با آکورد – آموزشگاه موسیقی

ملودی های آهنگ | آموزشگاه موسیقی | verse chorus

ملودی های آهنگ | آموزشگاه موسیقی | verse chorus

verse

این قسمت ملودی ثانویه آهنگ است و بندرت در طول آهنگ تغییر می کند.

آنچه واقعا تغییر می کند کلامی است که روی تکرارهای بخش verse تغییر می کنند.

بخش verse  اطلاعات بیشتری از موضوع آهنگ را به شنونده منتقل می کند.

این بخش داستان یا روایت مورد نظر را برای شنونده بیان می کند،

و جزئیات بیشتری از داستان و پیام مورد نظر آهنگساز را به شنونده منتقل می سازد.

ملودی های آهنگ | آموزشگاه موسیقی | verse chorus

ملودی های آهنگ | آموزشگاه موسیقی | verse chorus

این بخش باید داستان یا انتقال پیام را پیش ببرد،

یک آهنگ ممکن است چند بخش verse  داشته باشد که هر کدام از چند خط تشکیل شده باشند.

در این پارت ها سوالاتی مانند کجا و چه کسی و چه زمانی و چگونه چرا را پاسخ می دهیم.

این پاسخ ها ارتباط مستقیم با موضوعی دارند که در پارت  chorus  بیان می کنیم.

اگر چه اطلاعاتی که در پارت های verse ارایه می دهیم متفاوت هستند،

اما اغلب ملودی و ریتم در همه این پارت ها یکسان است.

نوعی تنوع در این پارت ها ایجاد نمایید.

اگر اطلاعات ارایه شده در بخش chorus را یک شعار فرض کنیم،

در بخش verse  باید توضیحات و توصیفات بیشتر و جزئی تر از موضوع اهنگ را به شنونده ارئه دهید.

آموزشگاه موسیقی

مثلا اگر در بخش chorus عبارت “من از دنیا بدم میاد” را نوشته باشید در بخش های  verse باید دلایل،

یا انگیزه های خودتان را برای این احساس خودتان برای این احساس را به شنونده بگویید.

بخش های verse را به عنوان قسمت های پشت سر هم یک سریال در نظر بگیرید.

که در هر قسمت مفاهیم یا اطلاعات جدید تری را به مخاطب می دهید و البته این انتقال پیام در پارت های verse یا یک ملودی تقریبا ثابت انجام می گیرد.

چون در بخش های verse  باید اطلاعات بیشتر و جزئی تری به شنونده بدهید،

به این معنی نیست که طول زمان این بخش ها باید طولانی باشد.

سعی کنید کلام و ملودی هر یک از این بخش ها بیشتر از سی ثانیه نباشد.

اگر فکر می کنید این زمان کم است سعی کنید از ریتم تند تری استفاده نمایید.

مقالات مفید موسیقی

پیدایش موسیقی راک

 

کار­های نوینی که در حد فاصل دهه ­ی هفتاد تا هشتاد ارائه شد بیش از آن است که بتوان در یک نوشتار تاریخ­ گونه یکایک بازگو شود پیدایش موسیقی راک.
هدف این­ جا بازگو کردن گرایشاتی است که در این دهه پایه گذاری شد پیذایش موسیقی راک.

اما در آغاز باید به ریشه­ ی این ابداعات پرداخت، این که چه چیز سبب می ­شود

این حجم از بدعت ها در موسیقی راک گذارده شود.

یکی از محرک ­های اصلی این موضوع را باید در افزایش گردش سرمایه در این موسیقی غیرسرمایه­ داری جست.

با ورود و شهرت پدران این سبک به بازارهای فروش، علاقه و حجم ورود نیرو به این سبک افزایش یافت.

این نیرو در حالی وارد این سبک از موسیقی می ­شد که به­ خاطر نفس جسارت ­آمیز و هنجارشکنش،

از آغاز از سوی اشخاصی که در جست ­و جوی چیز دیگری بودند،

مورد استقبال بود، در نتیجه این افراد تازه­ وارد هم بدعت گذار و هم

جسارت کافی را دارا بودند.

افرادی که وقتی به Mick Jagger از The Rolling Stones گوش می ­دادند

از نظر بزرگ ­ترهای خود یاغی و پر­ دردسر تصور می ­شوند.

افرادی که در موسیقی Jimi Hendrix افسانه­ ای، دنبال آن تکنیک­ های ناب گیتارنوازی

چپ­ دستی­ او بودند و نه موسیقی

برای رقص با معشوقه ­ی سانتی ­مانتال خود.

آموزشگاه موسیقی

یکی دیگر از این دلایلی که به عنوان متهم در ردیف نخست برای این حجم از نوآوری

در موسیقی می ­نشیند بدون تردید

گسترش امکانات گیتار الکتریک به عنوان اصلی ­ترین ساز این سبک از موسیقی است.

دستگاه­ های آمپلی ­فایر در انتهای این دهه، امکانات زیادی برای افزایش Gain صدا پیدا کردند،

امکاناتی که پیش ­تر در

اختیار و انحصار مهندسین صداساز بود، اینک در اختیار نوازندگان قرار می­ گرفت.

این نوآوری­ ها را به گرایشات پدران هیپی به موسیقی­ های شرق و در نتیجه ورود سازهای

ناهنجاری در موسیقی غربی

مانند سیتار و گام های پنج­ تایی پنتاتونیک اضافه کنید.

نفس این ورود سازها منجر به ورود اصوات خاص ­تر به آواهای موسیقی راک شد.

این یعنی به مرور کیبورد، فلوت Jethro Tull و در نهایت کیبوردی که همه­ ی این اصوات

نامانوس را برای ما ایجاد کند،

امکانات صوتی بی­ پایانی را پیش ­روی موسیقی راک نهاد.

نکته­ ی نهایی را باید در جاذبه ­های محتوایی یافت. موسیقی پَساراک پس از گذشتن

از مرز ترانه­ های عادی موسیقی پاپ

موفق به جذب و بدل به تریبونی برای افراد گسترده­ تری در جامعه شد و در نتیجه­ ی این جذابیت،

افراد بیشتری وارد این موسیقی شدند.

افرادی که سبک­ های منحصر به فرد خود را پایه گذاشتند.


موسیقی-راک

پیدایش موسیقی راک  راک، آموزش آواز،استاد آواز، بهترین استاد آواز، استاد آواز شرق تهران، استاد آواز شمال تهران،استاد آواز غرب تهران،آموزشگاه موسیقی، بهترین آموزشگاه موسیقی تهران

موسیقی ایرانی

موسیقی هر ملتی از روح و جان آن ملت سرچشمه گرفته استاز لرزش و طنین سیم‌های ساز می توان گذشته‌ی دردناک یا سعادت‌آمیز و انحطاط یا بزرگی یک ملت را شنید و حس کرد و می‌توان توسط موسیقی با گذشته هر ملتی آشنا شد موسیقی ایرانی.

موسیقی ایرانی همان طور که ناملایمات تاریخی را با تاثرات عمیق محفوظ داشته

و منعکس می‌کند به همان میزان منعکس‌کننده اقتدار و شکوه تاریخی ملت ما نیز هست.

به طوری که موسیقی هر ملتی از دو جزء ترکیب می‌یابد جزء اول را تکنیک و جزء دوم را ترانه‌های

ملی تشکیل می‌دهد.

در بسیاری از کتب قدیمی و باستانی، اختراع موسیقی را در جهان به (فیثاغورث) نسبت داده‌اند

ولی این فیثاغورث نه مخترع سی لحن باربد بود و نه از دستگاه‌ها و گوشه‌ها و ردیف‌های

موسیقی اصیل و ملی ایران اطلاع و آگاهی داشت، تاریخچه موسیقی کلاسیک و سنتی

ایران را باید در زمان‌های بسیار قدیم جست‌وجو کرده است.
اساتید و بزرگان علم و هنر و ادب مانند: باربد، نکیسا، سرکیس، بامشاد، رامتین، زریاب،

اسحاق موصلی، منصور زلزل، رودکی، ابونصر فارابی، بوعلی‌ سینا، عبدالقادر مراغه‌یی،

صفی‌الدین ارموی و خیلی‌های دیگر موسیقی ما را زنده نگه داشته و برای آن زحمت بسیار کشیده‌اند،

ولی هیچ یک نوشته‌ی آهنگ‌های زمان خود را برای آیندگان به نحو قابل استفاده‌ایی

به جا ننهاده‌اند، تا از این هزاردستان و نغمه‌های سحرانگیز آن به خصایص احوال روانی آنها واقف شویم .

آموزشگاه موسیقی

و نیز از قرون گذشته و زمان صفویه تا چند سال پیش قطعات موسیقی

ما که اکنون به صورت ردیف به زیور طبع درآمده سینه به سینه تعلیم می‌شده است

که اکنون، نه می‌توان گفت این ردیف‌ها، مجموعه‌ی ترانه‌های ملی است و

نه می‌توان گفت که ترانه‌های ملی مصالح ساختمانی این ردیف‌ها نبوده است،
بلکه باید گفت، این هر دو مجموعه منتخب آثار الهامات موسیقی‌دانان ملل تابعه ایرانی است

که از دو هزار و پانصد سال پیش باقی مانده و درین زمان به نسل حاضر تسلیم می‌شود

و در عین حال چنین نتیجه می‌توان گرفت که هر گاه از آغاز پیدایش خط موسیقی آ

ثار علماء و موسیقی‌دانان ما نیز ضبط شده بود.

اکنون به تحقیق از مجموعه‌ی تصانیف موسیقی جهانی کمتر نبود و معهذا کیفیت همین

کمیت در مقایسه با موسیقی ملل دیگر، سرچشمه‌های زاینده‌‌ای است.

موسیقی ایرانی که به تحقیق از موسیقی سایر ملل رویاانگیزتر است

و درین زمان کیفیت محسوس آن بر نیمی از ساکنین جهان نیز مقبول افتاده است،
پس از انقراض سلسله‌ی ساسانی بر اثر شکست‌ها و تاثیرات عمیق ملی و

طغیان و سرکشی‌هایی که موارد ناکامی‌های ما بود و در دو کیفیت ممتاز درآمد،

یکی حماسه‌سرایی و آمادگی برای مبارزات حیاتی و اثبات شخصیت و استقلال‌طلبی و یکی حالات واقعی یک شکست‌خورده و غم‌زده مغرور و امیدوار.
تا قبل از رواج خط، موسیقی در ایران به جز به شکل تعزیه‌خوانی معمول نبود.


ایران

داستانی عجیب از مرگ موتزارت

 

موتزارت در آخرین سال از زندگی كوتاه خود با شخصی كه حاضر نبود

چهره خود را به او نمایان كند ملاقات می کند.

این مرد سیاه پوش به موتزارت سفارش ساخت

ركوییم یا مسی را برای مرگ می دهد و ادعا میکند

كه از طرف مردی این درخواست را دارد که برای گرامی

داشتن خاطره همسر فوت شده اش نیاز به این موسیقی دارد.

نامناسب بودن شرایط روحی و مالی موتزارت  و درگیری او با بیماری به

ظار لاعلاج باعث می شود که او این پیشنهاد را بپذیرد.

او هرگز موتزارت چهره سیاه پوش ، پنهان و شگفت انگیز آن پیغام آور را از خاطر نمیبرد
و با توجه به اینكه خوب می دانست كه بزودی به علت بیماری خواهد مرد، همواره در این فكر بود كه ركوییم ها را باید برای مرگ خود بنویسد؛
او همواره به آن شخص سیاه پوش به چشم فردی که از دنیای دیگر آمده و می خواهد جانش را بگیرد نگاه میكرد.

آموزشگاه موسیقی

تمام سعی خود را برای ساختن ركوییم های مرگ كرد.اما متاسفانه عمر كوتاه به او فرصت نداد تا آنها را به اتمام برساند.
راجع به مرگ موتزارت نظریه های زیادی مطرح می شود.
عده ای معتقد هستند که سالیری (Slieri) كه تا قبل از ورود موتزارت به دنیای موسیقی، آوازه اش همه جا را گرفته بود به دلیل حسادت موتزارت را مسموم كرده است و عده ای نیز معتقدند که او بر اثر مصرف زیاد مشروبات الكلی جان خود را از دست داده است.
برنارد شاو در مورد این موسیقیدان بزرگ گفته است كه :
“جای تعجب نیست كه برخی آوازهایی را كه موتزارت سراییده از دهان فرشتگان بارگاه خداوند بشنویم”.
ركوییم موسیقی یی است برای مرگ كه عموما” كاتولیك های رومی از آن در مراسم مرگ استفاده میكنند.
اصل لغت بمعنای نماز ترس و وحشت است ولی در موسیقی نوعی رقص سه قسمتی است كه بدون تنفس در سه مومان اجرا میشود.
قسمت اول این فرم به بیان ارتباط انسان با مرگ می پردازد و معمولا” سنگین و با وقار است.
قسمت دوم بازیگوشانه و تفریحی تر بوده و نمایانگر زندگی انسانی است
و در نهایت قسمت سوم عموما” بیان كننده این مطلب است که چگونه انسان به دام مرگ اسیر می شود

داستانی عجیب از مرگ موتزارت

آموزش آواز،استاد آواز، بهترین استاد آواز، استاد آواز شرق تهران، استاد آواز شمال تهران،استاد آواز غرب تهران،آموزشگاه موسیقی، بهترین آموزشگاه موسیقی تهران

نوازندگی گیتار

حتما شما نیز به عنوان هنرجوی گیتار دوست دارید هرچه زیباتر گیتار بنوازید و خود را در سطح نوازندگان حرفه ای بالا ببرید.
در این مقاله به شما نکاتی را خواهیم آموخت که با آن ها میتوانید نوازندگی خود را تقویت کنید .
این مطالب شاید سطحی یا بدیهی به نظر برسند اما از اهمیت به سزایی برخوردارند.

۱)ریتم:

مهمترین عامل در زیبا نواختن شما ریتم قطعه شما است.
اگر قطعه ای که مینوازید از لحاظ تکنیک،موزیکالیته ،اینتوناسیون،بیان و غیره در حد مطلوبی باشد ،اما فاقد ریتم منظم و صحیح(ریتمی متناسب با توکه ای که مینوازید) باشد، تقریبا شما شنونده ای برای سازتان نخواهید داشت.
ولی اگر ریتم در قطعه شما صحیح باشد ،حتی اگر بقیه تکنیک هایتان در حد مطلوبی نباشد شما دارای مخاطب هستید.

۲)موزیکالیته:

در عمل به معنای داشتن حس مطلوب و آهنگین در قطعه شما است.
کردن هر چه بیشتر شما به موسیقی های گیتار عامل بسیار مهمی در جهت بالا بردن موزیکالیته در نواختنتان است.

نوازندگی گیتار

آموزشگاه موسیقی

۳) بیان صحیح:

یکی از عوامل دیگر بیان صحیح(تمیز نواختن) شما است.
به این معنی که جمله های موسیقیتان را کامل بیان کنید.تکنیک هایتان را با شفافیت تمام بنوازید.نباید جمله های موسیقیتان خورده شده و ناقص باشند.
ارزش زمانی نت ها بایستی بر درستی و با تمامیت رعایت شود. کامل رساندن موضوع در قطعه تان تضمین کننده بیان صحیح شماست.

۴) تکنیک:

تکنیک هر نوازنده انحصاری و منحصر به فرد برای خود اوست.
اما بدیهی است که هرچه تکنیک در سطح بالاتری باشد، نواختن برای نوازنده راحت تر و مطمئن تر است.
تمامی نوازندگان خوب دنیا حتی آنها که از لحاظ هنری بسیار نادر هستند نیز به تمرین های روزانه تکنیکی میپردازند.
پس در هر سطحی که باشید بایستی تمارین روزانه تکنیکی داشته باشید.

۵) دینامیک(قدرت نواختن)

پر قدرت نواختن، یک خصیصه خوب برای یک نوازنده گیتار است.
اما به شرطی که این خصیصه باعث ماشینی شدن نواختنش نشود.
موسیقی شما نباید در یک خط نواخته شود.
موسیقی شما بایستی دارای فرازو نشیب باشد،ممکن است در بعضی قسمت ها به صدایی بسیار قوی نیاز باشد و در بعضی قسمت ها در حدی از قدرت باشد که شنونده به سختی بتواند صدای گیتار شما را بشنود.

۶) انتخاب رپورتوار مناسب:

رپورتوار شما باید متشکل از قطعاتی باشد که شما آنها را خوب مینوازید.
برای زیبا نواختن حتما احتیاجی به قطعات مشکل و سخت نیست. قطعه ای برای شما مناسب است که بتوانید آن را راحت اجرا نمایید.


آموزشگاه موسیقی

نوازندگی گیتار،استاد گیتار، بهترین استاد گیتار، استاد گیتار شرق تهران، استاد گیتار شمال تهران،استاد گیتار غرب تهران،آموزشگاه موسیقی، بهترین آموزشگاه موسیقی تهران

تعریف ملودی در موسیقی             اموزشگاه موسیقی

کسی گفته است ملودی آنچنان چیزی است که تمام موسیقی در خدمت آن است .
تردید نیست که آشناترین و قابل تشخیص ترین عامل موسیقی ، ملودی است .
ملودي یکی از تجربیات اولیه هر کودک است.
بی تردید شما ملودي یکی از آهنگهای انقلاب یا هر آهنگ مشهور دیگری را به یاد می آورید .تعریف ملودی در موسیقی 

ملودی «آهنگی» است که ما ، پس از ترک سالن کنسرت آنرا زمزمه می کنیم.
تمی موسیقائی است که طی یک سنفونی چند بار تکرار می شود.
گوش گیرنده غیر حرفه ای معمولا تنها به ملودی گوش می کند و هرگز به عوامل دیگر توجه ندارد.
او موسیقی را از روی ملودی آن ارزیابی می کند.
موسیقی با ملودی «خوب» درنظر او موسیقی خوبی است و موسیقی با ملودي غیر قابل تشخیص به نظرش اساساً موسیقی نیست.

ملودي یکی از مهمترین وسائل برای بیان ایده موسیقائی است.
آهنگساز اصوات موسیقی را به راهی ترکیب میکند که نه تک تک بلکه به شکلی وحدت یافته شنیده می شوند ؛
وقتی ملودی به منزله جوهر موسیقی به پایان می رسد گونه ای حالت اتمام نیز از آن محسوس است.

  

        تعریف ملودی در موسیقی

     آموزشگاه موسیقی

ملودي ، مانند یک جمله مبنی بر دستور زبان یارای آن دارد که بی یاری عوامل دیگر متجلی شود .
اصوات مانند کلمات ، در الگوئی سازمان داده می شوند ، که بتوانند ایده را به تمامی انتقال دهند آنها بدون «سازمان گرفتن» مفهومی ناروشن دارند.
اصوات در ذهن ما خطی را آنچنان که ما در هنر گرافیک می بینیم مجسم می کنند.
خط در واقع موجودیت دارد
و عیناً همانند تابلوی نقاشی پیکاسو که از راه نمایش خط ایده ای را می نمایاند ، خط ملودي نیز ایده ای موسیقائی را معرفی می کند .

ملودي می تواند به هر شکل ، هر اندازه ، و با هر حرکت ساخته شود.
اگر ما اشکال گوناگون ملودی را فرا گیریم بهتر می توانیم خط ملودی را دنبال کنیم.
ما در این کتاب ، شما را راهنمائی می کنیم که به کرات صفحه های موسیقی را ، همراه با مطالعه مطالب ، بشنوید
تا خطوط ملودي ، اشکال آکوردها و تجسم های ریتمیک ، همچنان که در گوش گرفته می شوند «با چشم نیز تجسم یابند».
حتی اگر شما نتوانید خط موسیقی را بخوانید ، کم و بیش از نگاه کردن بر این خط ، در کتابهای نت چاپ شده ، درکی به هم خواهید رساند.

تعریف ملودی در موسیقی

ملودی چیست،آهنگسازی وتنظیم،اموزیشگاه موسیقی،

آموزشگاه-موسیقی


تعریف ملودی در موسیقی

اقباس از کتاب دعوت به شنیدن ، نوشته ریچارد- ل .وینک – لوئز- ج . ویلیامز . برگردان به فارسی : پرویز منصوری


ملودی چیست،آهنگسازی وتنظیم،اموزیشگاه موسیقی،

گردش دست در نواختن ویولنسل

انگشت‌گذاری به روش گردش دست در نواختن ویولنسل مزایایی دارد گه در زیر به برخی از آن ها اشاره میکنیم.

۱- در این روش، دست متعادل‌تر باقی می‌ماند.
۲- ساعد به انگشت‌ها در برخاستن و فرود آمدن کمک می‌کند. همیشه همیاری و تقسیمِ کار بهتر است!
۳- در این روش، هنگامِ گذر از انگشتِ موربِ دوم به انگشتِ سوم، ایجاد فاصله‌ی بیشتر، آسان‌تر است.
۴- حرکتِ بیشترِ دست، به ماهیچه‌ها کمک می‌کند تا رها باقی بمانند.
این فکر که ما به قصد بهره‌وریِ بیشتر، از حرکات اضافه پرهیز کنیم،
می‌تواند انقباض‌های نا‌مطلوبی را در پی‌داشته باشد و مانع از رسیدن به رهاییِ بسنده در دست شود.

چگونگی گردش دست در نواختن با سرعت پایین در نواختن ویولنسل به شرح زیر است:

انگشتِ یکم:
این انگشت باید تا حدِ امکان مورب، آرنج تا حد امکان بالا و شست باید روبرویِ انگشتِ یکم باشد.
هنگامِ نواختن با انگشتِ یکم در این حالت، در مقایسه با روش انگشت‌گذاری کاملاً عمود، شما قادر به ایجاد تعادل بیشتری در دست‌تان خواهید بود.

انگشت چهارم:
این انگشت در روش دوار، باید در وضعیتِ عمودی سیم را بگیرد،
در حالی که آرنج در پایین‌ترین ارتفاع و شست روبرویِ انگشت دوم قرار دارد.

آموزش ویولن

و اما چگونگیِ گذر از انگشتِ یکم به چهارم:

انگشتِ یکم:
بالاترین ارتفاعِ آرنج (نه در حد افراط!)، بیشترین گردش پنجه و ساعد به داخل، شست روبروی انگشت یکم.

انگشتِ دوم:
افتِ اندک در ارتفاعِ آرنج، انگشت‌گذاریِ کمتر مورب، شست کمی به سوی انگشتِ دوم حرکت کرده (به عبارتِ دیگر حرکتِ تدریجی به سمتِ انگشت‌گذاریِ عمود).

انگشتِ سوم:
باز هم افت اندک در ارتفاع آرنج، نزدیک‌تر شدن به وضعیت عمودیِ پنجه، شست در نزدیکیِ تقابل با انگشتِ دوم.

انگشتِ چهارم:
وضعیتِ انگشت‌گذاریِ عمود، پایین ترین ارتفاعِ آرنج، شست روبروی انگشتِ دوم، بدون حالتِ تمایلی در پنجه.

گردشِ دست در نواختن با سرعتِ بالا در نواختن ویولنسل

می‌توان از گردشِ دست در نواختن با سرعت بالا هم استفاده کرد، البته با اِعمال اندکی تغییرات به شرحِ زیر:

آموزش نوازندگی ویولن گردشِ کمتر :

– میزان گردشِ دست، تابعی‌ از میزانِ سرعتِ نواختنِ شماست.
در تمپوی پایین‌تر، گردشِ بیشتری ممکن است و در تمپوی بالاتر زمانِ کمتری برای این کار در اختیار دارید.
مزیتِ قابلِ توجه در موردِ گردشِ دست در نواختن با سرعتِ بالا این است که برخی کارها به گروه وسیع‌تری از ماهیچه‌ها محول می‌شود.
با این حال لازم است پیوسته دقتِ ویژه‌ای را صرفِ این کنید که در میزان گردشِ دست به هنگام نواختن با تمپوی بالا افراط نورزید.

– شست روبرویِ انگشتِ اول می‌ماند.
روشن است که زمانی برای حرکت دادن شست به اطراف وجود ندارد.
من شخصاً ترجیح می‌دهم که در نوازندگیِ سریع، شست را در مقابل انگشتِ یکم نگه دارم،
زیرا باور دارم که این طبیعی‌ترین وضعیت برای دست می‌باشد.
برای مثال، وقتی ما دستمان را به کلی راحت می گذاریم، شستِ ما روبروی انگشت یکم قرار می‌گیرد، نه انگشت دوم.
پس برای شست، طبیعی‌ترین و راحت‌ترین وضعیت همین است.
همچنین، تحمیل فشارِ اضافه بر شست، تاثیرِ منفی رویِ عمکردِ دست خواهد داشت.
با شستِ منقبض‌تر، دستِ منقبض‌تری خواهید داشت و هرچه شست رهاتر باشد، دست‌تان رهاتر است.
توجه داشته باشید که رهاییِ اندام‌ها برای نوازندگیِ سریع حیاتی‌ست.

حرکت ماهیچه‌ها، تا زمانی که حرکتی موثر و کمک‌رسان به سایر اندام‌ها باشد، می‌تواند در استراحت‌دادن به اندام‌های تحت فشار نقشِ بسزایی ایفا کند.

بهترین-آموزشگاه-موسیقی


ویولنسل – آموزش نوازندگی ویولن – معرفی بهترین آموزشگاه های موسیقی در شمال ، غرب ، شرق تهران با بهترین اساتید متخصص و حرفه ای

کاربرد پیانو برای نواختن موسیقی سنتی

نواختن موسیقی سنتی ایران با ساز پیانو معمولی کار دشواریست
چونکه ساخت ساز پیانو بر پایه دوازده صوت در هر هنگام (اکتاو) است
در صورتی که در موسیقی سنتی احتیاج به هفده صوت است،
یعنی اگر پیانو را از اول برای موسیقی سنتی ساخته بودند میبایستی پنچ کلید به هر هنگام اضافه میکردند
که البته طول آن پیانو یک برابر و نیم بزرگترو چندین برابرگرانترمیشد.

گام استاندارد غربی :

گام دوازده صوتی غربی که بگام کروماتیک معروف است
گامیست معتدل که درآن هر کلید ساز پیانو، معرف یک صوت (یا یک نت ) میباشد.

این گام شامل تمام ِ اصواتیست که در موسیقی غربی وجود دارد
و کلیه موسیقی کلاسیک غرب و تمام آلات موسیقی اروپایی بر مبنای همین گام طرح شده اند.
گام کروماتیک در حقیقت تلفیقی است از گام های نامعتدل ِ قبل از زمان باخ که دراروپای آنزمان معمول بوده.
بعضی براین باورند که گام معتدل گامیست غیرطبیعی
بدلیل اینکه اکثر خوانندگان سولو و یا تکنوازان ساز های بدون پرده خود بخود از اعتدال خارج میشوند.
شاید همین طبیعی بودن موسیقی ماست
که باعث ایجاد خود کاوی و یا بقول استاد مرتضی ورزی “غم” میشود.
بهر صورت اگر جنبه اعتدال را فراموش کنیم،
بجاست که گام هفده صوتی سنتی را “گام کروماتیک ایرانی” بنامیم
چونکه هریک از پرده های تار و یا سه تار نماینده یکی از هفده صوت (یا نت) این گام است.

از مطالب بالا میتوان به چند نکته مهم پی برد :

١- کوکِ اروپایی ِ پیانو ، که بر مبنای گام معتدل کروماتیک است،
جوابگوی ِ هردو گام ِ بزرگ و کوچک میباشد.
بقول شادروان عارف قزوینی اگر صد تا ساز پیانو از کشتی پیاده کنند هر صدتا کوک ِ ماهور دارند،
هرچند برداشت آن مرحوم کاملا صحیح نیست چونکه گام بزرگ قابلیت اجرای ِ همهِ گوشه های ماهور را ندارد.

٢- گام دیاتونیک اروپایی همنوازی بین چند ساز مختلف را آسان کرده است
چونکه میتوان برای هر ساز یکی از دوازده گام، کوچک یا بزرگ، را که بآن ساز بخورد انتخاب کرد.
این نوع همنوازی اجازه میدهد ساز هارا بچند گروه تقسیم کرده
و برای هریک گروه، نت های ِ جدا گانه ای نوشت
بطوریکه در جمع، چند صدایی تولید شده و عمق ِ محسوسی باجرای یک قطعه موسیقی بدهد.

٣- علاوه بر هشت نت اصلی که در بالا بآنها اشاره شد،
چهار نوت فرعی دیگر نیزممکن است گاهگاهی موردِ استفاده قرار بگیرند.

روشهای متداول کوک کردن ساز پیانو :

همانطور که در آغاز این مقاله ذکرشد پیانویی که دارای هفده صوت در اکتاو بوده
و دارای تمام صوتهای ِ لازم ِ ایرانی باشد یافت نمیشود.
خوشبختانه گام دیاتونیک ایرانی، مانند گام دیاتونیک اروپایی، بر مبنای هشت نت اصلی ساخته شده
که در آن نت اول و هشتم ١٢٠٠ سنت از یکدیگر فاصله دارند،
با این تفاوت که هشت نتِ اصلی ایرانی از هفده نتِ نا معتدل ِ “کروماتیک ایرانی” انتخاب شده
نه از دوازده صوت معتدل “کروماتیک اروپایی”.
معضل ِ جا دادن هفده صوت ایرانی در دوازده کلید ساز پیانو را
میتوان با ایجاد پنج گام دیاتونیک ِ نا معتدل، یا پنج کوک خاص حل کرد.
این پنج کوک که هریک با نام یکی از دستگاه های موسیقی ایرانی شناخته میشوند
و بیش از صد سال پیش در بین پیانو نوازان ایرانی رواج یافته است،
باین قرار است:

١- کوک شور، معرف دستگاه نوا و دستگاه شور و چهار نغمه آن- دشتی، ابوعطا، بیات زند و افشاری
٢- کوک ماهور، معرف دستگاه ماهور و دستگاه راست پنجگاه
٣- کوک همایون معرف دستگاه همایون و نغمه های آن- اصفهان و شوشتری
۴- کوک سه گاه معرف دستگاه سه گاه و بالاخره
۵- کوک چهارگاه معرف دستگاه چهار گاه.

کوک ساز پیانو به منظور اجرای موسیقی ایرانی با وجود قدمت بیش از صد سال،
هنوز به مرحله مشخصی نرسیده است
و بستگی زیادی به انتخاب سبک و حساسیت گوش ِ خودِ نوازنده دارد،
علاوه بر آن ساز های دیگر هم مجبور هستند خود را با ساز پیانو وفق دهند.
بعلاوه فواصلی که تا بحال مورد تائید نوازندگان ایرانی بوده،
شامل پرده، نیم پرده، ربع پرده، سه چهارم پرده و پنج چهارم پرده، با اذعان همه نوازندگان اعدادی تقریبی اند.

آموزش پیانو

با دردست نداشتن وسایل اندازه گیری تنش صوتی و مقایسه آن با معیار های شناخته شده،
کوک پیانو سنتی امری کاملا ً خصوصی و شخصی بجا مانده است.
باوجود چالش های فوق میتوان وجوه مشترکی در روش کوک پیانو بین نوازندگان سنتی مشاهده کرد

١ – اکثر نوازندگان کوک معتدل را ماخذ قرار داده
و فقط به تغییر معدودی از دوازده کلید ِ هنگام اکتفا میکنند.
باین ترتیب بیشتر فاصله ها بصورت معتدل ِ یکصد یا دویست سِنتی باقی میمانند.
٢ – چون وسعت تنش ِ ساز های ایرانی بیش از سه هنگام نیست،
معمولا فقط سه هنگام میانی ِ پیانو مورد استفاده قرار میگیرد.
٣ – ممکن است با دقت در کوک پیانو نوازنده بتواند مرکب نوازی کند
یا بعبارت دیگر از یک دستگاه بدستگاه دیگری برود،
هرچند اجرای مرکب نوازی مستلزم شنوایی بسیار حساس و آشنایی کامل بگوشه های دستگاه های مورد نظر است.
۴ – در بعضی کوک ها ممکن است فواصل یک گام را با فواصل گام ِ پیشین و یا بعدی تا اندازه ای تغییر داد.
این روش که در بعضی از کوک های سنتورمرسوم است،
منحصر به پیانو معمولیست و اجرای آن گرچه مهم ولی در پیانو الکرونیکی غیر ممکن است

در دو دهه اخیر آقای پروفسور هرمز فرهت
که سالها سمت استادی کرسی موزیک را در دانشگاه دوبلین داشتند
کتابی بعنوان “پندار دستگاه در موسیقی فارسی ” منتشر کردند
که در آن شرح مبسوطی راجع باندازه گیری فواصل نت ها در گام های ایرانی درج شده است.
با مطالعه برروی چند سه تار که بدقت کوک شده اند،
ایشان براین باورند که

فواصل را میتوان به پنج دسته مشخص تقسیم بندی کرد:

١- پرده ها که فاصله آن بین ٢٠٠ تا ٢٠۵ سنت است و اندکی با پرده دیاتونیک اروپایی تفاوت دارد.
٢- نیم پرده هایی که فاصله آنها ٩٠ سنت یا کمتر است و کاهش محسوسی از نیم پرده اروپایی است.
٣- پرده های میانی کوچک که فاصله آنها بین ١٢۵ و ١۴۵ سنت میباشد.
۴- پرده های میانی بزرگ که فاصله آنها بین ١۵٠ و ١٧٠ سنت است.
۵- پرده اضافی که فاصله آن در حدود ٢٧٠سنت بوده یعنی نزدیکتر به یک و نیم پرده اروپائیست و مورد استفاده زیادی نیست.

در اینجا برای روشن شدن نکات بالا بدو مثال اکتفا میکنیم
که هر دو آنها کوک هائیست که آقای رامین ذوالفنون در نواختن موسیقی ایرانی بر روی پیانو بکار میگیرد.
این قطعات به منظور اندازه گیری دقیق فواصل بر روی پیانو الکترونیکی اجرا شده است.
ایشان دارای سابقه طولانی در نواختن پیانو به سبک استادِ شادروان مرتضی محجوبی بوده
و سال هاست که با کوکِ ساز پیانو مأنوسند

روش کوک کردن پیانو الکترونیکی :

در پیانو الکترونیکی که مجهز به نرم افزار مخصوص کوک کردن باشد
میتوان تنش هر کدام از دوازده کلیدِ هنگام را تا ۶۴ سنت بالا برد ویا کاهش داد.
این کار بوسیله گذاشتن اعدادی از ۶۴- تا ۶۴+ در محل مخصوصی برای هر کلید انجام میشود.
اگر کلیدی دارای عدد صفر باشد تنش آن با تنش ِ همان کلید در گام معتدل یکی است.
بعد از تنظیم کردن یک هنگام، کلید های دیگر ساز پیانو خود بخود تنظیم میشوند.
این دوازده عددِ تنظیم که باسم آفسِت شناخته شده اند
در حقیقت معرف کوک یک دستگاه مشخص در یک کلید معین ( کلید تونیک یا نت اول گام دیاتونیک) است.

بنا بر این برای هر دستگاه میتوان دوازده گام دیاتونیک نوشت
که فواصل صوتی هر یک با فواصل صوتی ِ یازده گام دیگریکسان است.
دسترسی به این دوازده گام برای هر دستگاه، همنوازی را بآسانی ِ موسیقی اروپایی میکند،
اگر چه در گام های سنتی اثری از اعتدال نیست.
همچنین با همین نرم افزار میتوان آفست های ِ هریک از گام هارا بآسانی به بایگانی سپرد
و در صورت لزوم هریک راکه مورد نیاز باشد درظرف چند ثانیه روی ساز پیانو سوار کرد.
با توجه باینکه پیانو الکترونیکی میتواند صدای چندین صد ساز مختلف را ارائه بدهد،
این ساز میتواند وسیله ای آسان برای گشایش تنوع و ایجاد چند صدایی در موسیقی ما بشود.

آموزش ساز پیانو

نرم افزار ِ “پرده” که بوسیله آقای دکتر علی رضایی ابداع شده است
گنجینه ای وسیع و در ضمن ساده در دسترسی ما قرار داده
که با آن میتوانیم گام های ایرانی را، که قرن ها در این مرز و بوم رایج بوده و هست،
زیر ذره بین فیزیکی و علمی قرار بدهیم.

با این نرم افزار می توان کلیه دستگاه ها، نغمه ها وگوشه ها را،
که در تمام ایران و یا در بخشی از آن رایجند، تحت مطالعه دقیق و سنجش با یکدیگر قرار داد
و با انتخاب یک دستگاه و یک کلید تونیک میتوانیم هر دوازده آفسِت و هر هفت فاصله دیاتونیک را بدست آوریم.
مضافا بر اینکه میتوان هر یک از آفست ها را بمیل خود تغییر داده
و اثر آنرا در گام دیاتونیک مشاهده کرد
ویا به پیروی نوازندگان ساز پیانو معمولی از گام معتدل شروع کرده و بمیل خود گام جدیدی بسازیم.
بهر صورت اگربما عنایت کرده و از کشفیات خود در این موضوع مارا مستحضر کنید
باعث سرفرازی اینجانب و آقای دکتر رضایی خواهد بود.

مجموعه سی پنج گام ِ دیاتونیکی که بهمراهِ نرم افزار “پرده ” ارایه میشود
گام هایی هستند که با همنوازی، با ارکسترهای سنتی ِ شناخته شده ایرانی
و بعضی از خوانندگانی که سابقه درازی دراجرای آواز دارند بدست آمده است.
منشأ این موزیک دیسکت هایی هستند که در دو دهه اخیر ببازار عرضه شده اند،
ازجمله چندین دیسکت از گلهای رنگارنگ،
ارکستر های استاد فرامرز پایور و استاد روح الله خالقی و کنسرت های خانم پریسا و آقای محمد رضا شجریان که در سالهای اخیر در اروپا یا در امریکا اجرا شده اند.

آموزشگاه موسیقی

با وجود تفاوت محسوسی که در بعضی از موزیک های محلی وجود دارد،
بواسطه نداشتن آشنایی با آنها، سعی در جدا کردن آنها از بقیه نشده است
با اذعان بر اینکه ریشه و منشأ اکثر گوشه های سنتی بظن قوی همین آواز های محلی هستند.

چنانکه در بالا اشاره شدهمنوازی با ساخته های استادان موسیقی،
ویا بزعمی دیگرفراگرفتن سینه به سینه،
کلید راهبردیست برای آشنا شدن بدستگاه ها و نغماتی که پایه و اساس موسیقی مارا تشکیل میدهند
ولی همصدا کردن ساز پیانو الکترونیکی با سازهای سنتی ایران کار دشواریست
چونکه ساز های ما بر مبنای استاندارد های معمول ( لا مساوی ۴۴٠ هرتز ) کوک نمیشوند.
اگرچه در پیانو الکترو نیکی نرم افزاری وجود دارد بنام “میکرو تونینگ ”
که تنش همه کلید های پیانو را باندازه مشخص بالا برده و یا کاهش میدهد
ولی متاسفانه این نرم افزار فقط در گام معتدل کاربرد دارد.
تنها راه گذشت از این معضل استفاده کردن از اهرم “تغییر صوت” است
که وسیله ایست برای بالا بردن و یا کاهش تنش صوتی
و معمولا ً فقط در حین نواختن پیانو از آن استفاده میشود.
با برداشتن فنری که خود بخود آنرا در وسط نگاه میدارد
میتوان اهرم را برای اضافه یا کاهش کردن تنش تا ١٢٠٠ سنت بکار برد
و از آن برای هم کوک کردن ساز پیانو جهت همنوازی استفاده کرد.

کاربرد پیانو برای نواختن موسیقی سنتی

آموزشگاه موسیقی – کلاس موسیقی – کاربرد پیانو برای نواختن موسیقی سنتی  – آموزش موسیقی – آموزش گیتار – آموزش پیانو – آموزش آواز – آموزش خوانندگی – آموزش سلفژ – آموزش صدا سازی – بهترین آموزشگاه موسیقی – آموزش سنتور آموزش تار – آموزش ویولن – استاد خوب – 

اولین چیزی که در مورد راهنمای خرید ویولن جلب توجه میکند جنس چوب ساز باید باشند
در پشت ساز باید رگه های پلنگی به صورت کاملا واضح و قابل مشاهده و تا حد ممکن یک نواخت و متقارن وجود داشته باشد ،
نکته ای که خیلی باید به آن دقت کنید این است که ساز دارای رگه تقلبی نباشد
مثلا رگه ها را به وسیله رنگ و یا تراش درست نکرده باشند و از خود چوب باشد
پشت ساز با نوک انگشتان لمس کرده و حرکتی عمودی انجام دهید
در صورت زیر دست خود احساس برا آمدگی و فرو رفتگی کردید ۹۰% رگه اصلی است.
و مورد بعد جنس صفحه رو ( که هیچی) ولی کیفیتش باید رگه ها ریز ، متراکم ، یکنواخت و تا می شود به هم نزدیک باشند.

آموزشگاه موسیقیآموزش ویولن

دومین مورد لوازم ساز است که حداقل احتیاجات یک ساز خوب :
آرشه حداقل ۸ پر (سالم) ، چعبه چهار گوش و مرغوب،
زیر چونه باید یکی از این موارد باشد (۱- ضد حساسیت ، ۲-آلمانی مارک وسترن و۳- یا از جنس آبنوس یا روز بوت )
و همچنین گوشی های ساز البته در مورد گوشی تا حد امکان آبنوس چون در صدا تاثیر گذار است.
خرک هم بسیار در صدای ساز تاثیرمی گذارد
در مورد سیم تقریبا روی تمام ویولن ها سیم اولیه تست می باشد مگر آنکه خود فروشنده روی آن قرار دهد.

سعی کنید ساز را تنظیم شده بخرید
هزینه تظیم ساز های بین ۵۰ الا ۱۰۰ هزار تومان می باشد ولی بسیار در صدای ساز تاثیر گذار است
توجه داشته باشید که تنظیم کردن ساز بسیار مهم است
و کسی که اینکه را انجام می دهد باید مهارت لازم را داشته باشدو ساز باید با توجه با سبک تنظیم شود

البته بهترین راهنمای خرید ویولن این است که برای شروع فراگیری موسیقی همیشه لازم نیست هزینه‌ی زیادی پرداخت کنید.
اگر به دنبال یک ویولن مناسب برای شروع یادگیری هستید، می‌توانید با هزینه‌ای ناچیز، به مقصودتان برسید.

ویژگی های ویولن خوب :

۱-شفافیت صدای ساز ( عدم تداخل صدای نت و اینکه شما بتوانید به راحتی تک تک نت ها زده شده را تشخیص دهید)
۲- حجم صدای ساز ( بلندی صدا)
۳-پاسخ گو بودن در پوزیسون ها ی بالا ( پایین دسته)
۴- خوش دست بودن گریف ( نه زیاد باریک و نه زیاد پهن)
۵-نداشتن ایراداتی مثل باز شدن کلاف ، ترک بیخ دسته ، تاب داشتن گریف ، عدم تطابق کلاف ها ، و الگو سالم ساز
۶- وزن ساز که ساز نباید نه زیاد سبک باشد و نه زیاد سنگین ،
ولی در صورت شما به آن سطح آگاهی رسیده بودید که بتوانید وزنی که شما با آن راحت هستید را انتخاب کنید
موردی ندارد اگر از استاندارد خارج شوید.

آموزشگاه موسیقی – کلاس موسیقی – آموزش موسیقی – آموزش گیتار – آموزش پیانو – آموزش آواز – آموزش خوانندگی – آموزش سلفژ – آموزش صدا سازی – بهترین آموزشگاه موسیقی – آموزش سنتور آموزش تار – آموزش ویولن – استاد خوب – ویژگی های ویولن خوب

چرا تعداد خرک های سنتور از 12 به 9 تغییر کرد ؟

علت تغییر خرک های سنتور از 12 به 9

اکثر ساز هایی که به ایران آورده می شد 12 خرک بود و پس از گذشت زمان نیاز به تعمیر داشت و کم کم کوچکتر می شود و مجبور بودند 11 خرک بر روی صفحه قرار دهند و گاه به 10 یا 9 خرک هم می رسید.

اما اصولا ابعاد و تعداد خرک ها در سنتور علمی نبود و با مقدار تحمل کششی سیم های فلزی مطابقت نداشت.

امروزه هم هنوز قادر به استفاده از سیم فلزی داخلی برای سنتور نیستیم و سیم ساز، در ایران تولید نمی شود و از سیم های وارداتی استفاده می کنیم. سیم هایی که عمدتا ضخامت 0.40 میلیمتر دارند یا سنتورهایی به سبک ورزنده یا قدیمی تر که ضخامت 0.45 داشته اند.

ایجاد صدای خوب و مطلوب شرقی، در سنتور های 12 خرک هم کار مشکلی بود؛ تا جایی که کم کم 10 و 9 خرک عمومیت پیدا کرد. البته اساتیدی چون استاد شجریان بر روی 10 خرک تاکید دارند.

از ابتکاراتی که انجام دادید ، بگویید.

یکی از مشکلاتی که همیشه با آن روبرو بودیم باز شدن چسب سنتور در مناطق مرطوب و اقلیم های مختلف بود.

قبلا برای ساختن سنتور از سریشوم های حیوانی استفاده می شد که البته بدترین چسب دنیا محسوب می شود.

مشکلات سریشوم حیوانی این است که موریانه آن را می خورد و رطوبت بر آن تاثیر می گذارد و حرارت بیش از حد موجب باز شدن آن می شود.

من از چسب های رزین دار مثل رزین فرمالدئید استفاده می کنم و آن را در دمای 180 درجه سانتیگراد و فشار 5 الی 15 تن می چسبانم.

از دیگر مشکلات ساز های قدیمی سیستم پل گذاری آن بوده است و دیگری اندازه غیر علمی آن است.

از آن جا که سیم استاندارد سازهای ایرانی نداریم و از سیم های وارداتی استفاده می کنیم اساسا این سیم ها تا حد 10 سانتی متر کوچکتر از اندازه علمی روی ساز قرار می گیرند و مرتبا کوک خالی می کنند.

سیم 0.40 بسیار حساس است و در سازهای بزرگ مقاومت کششی لازم را ندارد.

کوچک کردن ساز تا حد ممکن باعث می شود تا کوک ساز بهتر بماند و دوام سنتور بیشتر شود.

چرا خرک های سنتور از 12 به 9 رسید

من ابعاد سنتورهای ناظمی را که 36×27×90 بوده است به 35×28×92 تغییر داده ام و دوام و صدای بهتری را از ساز گرفته ام.

تا جایی که ساز های من در طول سال، بیش از 3 الی 4 بار نیاز به کوک کردن ندارند.

اخیرا هم تلاشم بر این بوده تا به جای سیم های قرمز از سیم های فولادی سفید استفاده کنم.

از دیگر ابداعاتم سنتورهای دو طرفه است که در دو طرف ساز سیم و خرک وجود دارد و یک سمت را می توان یک کوک کرد و سمت دیگر را کوک دیگر.و کل ساز بر روی پایه ای چوبی قرار می گیرد و میله ای که در عرض ساز قرار دارد آن را به پایه متصل می کند. با باز کردن پیچ میله می توان سوی ساز را برگرداند و از طرف دیگر آن استفاده کرد.

سنتور های بیسکویتی هم از دیگر ساخته های من است که در آن ضخامت ساز کاهش می یابد و با تغییراتی که داده ام طنین صدا زیبا تر و ساز سبک تر شده است.سنتور های کروماتیک هم از دیگر ابتکاراتم است که در آن علاوه بر خرک های موجود 9 خرک اضافه می شود و تا 15 خرک هم می توان آن را ارتقا داد.

بر روی سنتور کروماتیک نت هایی را داریم که بر روی سنتور معمولی نیست و می توان بر روی ساز بدون تغییر دادن کوک دستگاه های مختلف را نواخت.سنتور های فا کوک ، می کوک ، سنتور باس و تغییر در ابعاد آن ها از دیگر ابتکاراتم است.

سنتور باس سنتوری است که یک اکتاو از سنتور سل کوک بم تر است و می تواند 9 خرک داشته باشد و تقریبا ابعادی دو برابر سنتور سل کوک دارد و اخیرا با تغییر ضخامت ، آن را کوچک تر ساخته ام.سنتور های سبک ورزنده را احیا کرده ام و سنتور های 12 ، 11 ،10 و 9 خرک می سازم. لطفا در مورد شکل مضراب و تکامل فرم آن توضییح دهید.

مضراب در قدیم به شکل دو خنجر فلزی بوده است و رفته رفته بصورت دو چوب که شبیه خنجر است تبدیل شد. مضراب در قرن اخیر با ابتکار ارامنه به شکل کلید سل شکسته در آمده است.

شکل و وزن مضراب به فیزیک دست نوازنده ها وابسته است.

اما اغلب مضراب ها از چوب گردو، ششماد، گلابی درست می شود و بهترین همان چوب گردو است. وزن آن معمولا در حدود 3 تا 3.5 گرم است و اگر وزن مضراب از 3.5 گرم بیشتر باشد امکان تقه کردن وجود دارد و اگر هم وزنش از 3 گرم کمتر باشد از حجم صدا کاسته می شود.

البته اخیرا تلاش کرده ام تا به جای چوب از مواد کربن دار جدید برای ساخت مضراب استفاده کنم، چرا که هم ارزان تر خواهد شد و استحکام بیشتری خواهد داشت و نمی شکند و خاصیتش شبیه به چوب است.

نوع چوب در ماهیت صدای ساز چه تاثیری دارد و ماهیت صدا در سنتور سازی چه جایگاهی دارد؟

از آن جا که ساز سازی در ایران آکادمیک نبوده است کمتر کسی پیدا می شود که ساز بسازد و با ماهیت صدا در آن هم آشنا باشد.

سازنده موفق کسی است که اهمیت صدای ساز را تشخیص بدهد و از تکنیک های خاصی بهره بگیرد.

اکثر سازنده ها درودگر بودند و البته نوازنده هایی هم پیدا می شدند که ساز هم بسازند.

من در حرفه ای که با آن سر وکار دارم تا به حال با در حدود 200 نوع ساز سر و کار داشته ام و به موضوع شناخت صدا در آن ها بسیار اهمیت داده ام.

شناخت ماهیت صدا از شناخت چوب جدا نیست.

شاید در درجه اول چوب مناسب، تاثیر به سزایی بر صدای ساز می گذارد و شناخت آن اهمیت زیادی دارد.

چوبی که در قدیم برای ساخت سنتور استفاده می شود و فروان بود عمدتا چوب راش بود اما چوب بلوط، افرا، لیلکی، سرخه دار، گلابی، گردو، آزاد پوست ماهی هم مورد استفاده قرار می گرفت.

اما امروزه بیشتر از چوب گردو استفاده می شود چون مقاومت لازم را دارد و مناسب تر است.

طی آزمایشی که انجام دادم فشاری که از ناحیه سیم ها و از طرفین به سنتور سل کوک وارد می شود حدود 1 تن است و چوب نرم و معمولی نمی تواند این مقدار فشار را دوام آورد.

در ایران بیش از 2500 نوع چوب گردو داریم که من در سازهایم بیشتر از چوب گردوهای مناطق کوهستانی با خاک سیاه ، استفاده می کنم. چرا که چوب گردو سفید در شمال ایران مورد حمله پروانه های چوب خوار یا همان پت ها قرار می گیرد اما چوب گردو سیاه بخاطر صمغ تلخی که دارد کمتر در معرض این خطر است و دوام بیشتری دارد.

نوع بافت چوب در صدای ساز تاثیر زیادی دارد.

هر چه بافت های چوب پیچیده تر باشند تلطیف صدای بهتری خواهیم داشت و در چوب هایی که بافت منظم دارند متاسفانه پدیده تشدید بوجود می آید و صدای ساز از حالت مطلوب خارج می شود.

چوب گردو های کوهستانی تویسرکان و خمسار و سنندج از بهترین چوب های موجود است. البته چوب افرای مخملی یا افرای مازندران هم برای ساخت سنتور مناسب است ولی مقاومتی چون گردو ندارد اما در عوض صدا را لطیف و مطلوب می کند.

ترکیب این دو یعنی گردو و افرا در ساخت ساز موجب تامین استحکام کافی و ایجاد صدای لطیف خواهد شد.

نوع چوب در ماهیت صدای ساز چه تاثیری دارد و ماهیت صدا در سنتور سازی چه جایگاهی دارد؟

از آن جا که ساز سازی در ایران آکادمیک نبوده است کمتر کسی پیدا می شود که ساز بسازد و با ماهیت صدا در آن هم آشنا باشد.

سازنده موفق کسی است که اهمیت صدای ساز را تشخیص بدهد و از تکنیک های خاصی بهره بگیرد.

اکثر سازنده ها درودگر بودند و البته نوازنده هایی هم پیدا می شدند که ساز هم بسازند.

من در حرفه ای که با آن سر وکار دارم تا به حال با در حدود 200 نوع ساز سر و کار داشته ام و به موضوع شناخت صدا در آن ها بسیار اهمیت داده ام.

شناخت ماهیت صدا از شناخت چوب جدا نیست.

شاید در درجه اول چوب مناسب، تاثیر به سزایی بر صدای ساز می گذارد و شناخت آن اهمیت زیادی دارد.

چوبی که در قدیم برای ساخت سنتور استفاده می شود و فروان بود عمدتا چوب راش بود اما چوب بلوط، افرا، لیلکی، سرخه دار، گلابی، گردو، آزاد پوست ماهی هم مورد استفاده قرار می گرفت.

اما امروزه بیشتر از چوب گردو استفاده می شود چون مقاومت لازم را دارد و مناسب تر است. طی آزمایشی که انجام دادم فشاری که از ناحیه سیم ها و از طرفین به سنتور سل کوک وارد می شود حدود 1 تن است و چوب نرم و معمولی نمی تواند این مقدار فشار را دوام آورد.

در ایران بیش از 2500 نوع چوب گردو داریم که من در سازهایم بیشتر از چوب گردوهای مناطق کوهستانی با خاک سیاه ، استفاده می کنم.

چرا که چوب گردو سفید در شمال ایران مورد حمله پروانه های چوب خوار یا همان پت ها قرار می گیرد اما چوب گردو سیاه بخاطر صمغ تلخی که دارد کمتر در معرض این خطر است و دوام بیشتری دارد.

چرا خرک های سنتور از 12 به 9 رسید

هر چه بافت های چوب پیچیده تر باشند تلطیف صدای بهتری خواهیم داشت و در چوب هایی که بافت منظم دارند متاسفانه پدیده تشدید بوجود می آید و صدای ساز از حالت مطلوب خارج می شود.

چوب گردو های کوهستانی تویسرکان و خمسار و سنندج از بهترین چوب های موجود است.

البته چوب افرای مخملی یا افرای مازندران هم برای ساخت سنتور مناسب است ولی مقاومتی چون گردو ندارد اما در عوض صدا را لطیف و مطلوب می کند.

ترکیب این دو یعنی گردو و افرا در ساخت ساز موجب تامین استحکام کافی و ایجاد صدای لطیف خواهد شد.

عکس روبروی جناب آقای داریوش سالاری می باشد.

چرا خرک های سنتور از 12 به 9 رسید